1960’erne er så meget mere end groovy hippier, progressive rockere og fashionistas. Og hvad film angår, havde de nogle af de bedste karakterer, man nogensinde har forestillet sig.
Mens Hollywood kørte videre med poleret studieproduktion, skubbede populariteten af fremmedsprogede film filmens grænser fremad med udfordrende historier, temaer – og ofte usædvanlige karakterer. Nybølgebevægelserne fra Frankrig, Japan og Italien, for ikke at nævne genoplivningen af westerns i hele Europa, introducerede en række attraktive, amoralske antihelte. I mellemtiden holdt flere af de største stjerner i Hollywood deres profiler oppe ved at spille nogle af de mest ikoniske figurer nogensinde i film.
Fra vittige revolvermænd til plagede kvinder til cowboys, der rider på atomsprænghoveder – nedenfor er 32 af de største filmkarakterer fra 1960’erne.
32. oberst George Taylor (Abernes planet)
(Billedkredit: 20th Century Studios)
Da Charlton Hestons oberst George Taylor, en menneskelig astronaut, endelig udtaler sig i sci-fi-klassikeren Abernes planet fra 1968, buldrer hans ord som en atomeksplosion, og den efterfølgende tavshed fra de gående, talende aber er lige så øredøvende. På en futuristisk jord, der styres af hyperintelligente aber, og hvor menneskeheden er uforståelige vilde, er oberst Taylor avatar for hele menneskeheden, hans rest af en magtfuld, men arrogant art, der er dømt til at indse vores store fald fra dominans.
31. Rosemary Woodhouse (Rosemary’s Baby)
(Billedkredit: Paramount Pictures)
Det er uheldigt og ironisk, at en af de bedste film om en kvindes tab af handlekraft kommer fra instruktøren Roman Polanski. Alligevel er Polanskis psykologiske gyserklassiker Rosemary’s Baby fra 1968 en brændende oplevelse med en meget udtryksfuld Mia Farrow i centrum. Farrow spiller Rosemary Woodhouse, en ung kone til en succesrig teaterskuespiller i New York, hvis graviditet medfører alle mulige uforklarlige problemer og hjemsøgelser i deres nye lejlighed. Rosemary’s Baby har en af de mørkeste slutninger nogensinde, og så meget af den præger vores varige minde om Rosemary – en uskyldig kvinde, der blev fuldstændig ødelagt indefra af ubeskrivelig ondskab.
30. Lucky Jackson (Viva Las Vegas)
(Billedkredit: MGM)
Viva Las Vegas er en af Elvis Presleys definitive film med rock ‘n roll-titanen i hovedrollen som en syngende racerkører, der forelsker sig i en svømmelærer fra et hotel i Las Vegas (spillet af den smukke Ann-Margret). Selvom Lucky Jackson er ukompliceret, er han den perfekte definition af cool takket være en hvidglødende Presley, hvis ubesværede scenetilstedeværelse blev omsat til en filmkarriere i over et årti. Selvom meget af filmen er forglemmelig, er titelsangen “Viva Las Vegas” så modbydeligt iørefaldende, og Presleys optræden sælger dens magnetisme.
29. Gammel kvinde (Onibaba)
(Billedkredit: Toho)
I Kaneto Shindos hjemsøgende gyserklassiker Onibaba, der foregår i det 14. århundrede, snører to kvinder – en gammel kvinde (spillet af Nobuko Otowa) og hendes unge svigerdatter (Jitsuko Yoshimura) – forsvundne samuraier, skiller sig af med deres lig og sælger deres varer for penge. Til sidst splitter jalousi og mistænksomhed de intrigante kvinder i deres egen bitre borgerkrig, hvor Otowas karakter bukker under for et uhyggeligt overnaturligt væsen (via en dæmonisk ansigtsmaske). Otowas rystende præstation afslører det afstumpede mørke hos en kvinde, der indser sin skæbne i ondskabens bogstavelige ansigt, og skaber et varigt billede af menneskehedens egen hjælpeløshed over for de ældgamle kræfter.
28. Michel (Åndeløs)
(Billedkredit: SociÉtÉ nouvelle de cinÉmatographie)
Den franske nybølgefilms prototypiske helt, Michel, spillet af Jean-Paul Belmondo, er den dødsdømte hovedperson i Jean-Luc Godards ærede mesterværk Åndeløs. Michel er en småkriminel, der lider af kortsynethed og romantiske vrangforestillinger, og han modellerer bevidst sig selv efter Humphrey Bogart, og gennem hans affære med en smuk amerikansk journaliststuderende i Paris virker hans fetichisme for Hollywood-agtige happy endings ironisk i betragtning af den dystre skæbne, der venter ham. Michel er ikke en skidt fyr. Ikke rigtig, i hvert fald. Han er bare lidt fortabt i sit eget fantasifulde selvbillede.
27. King Ghidorah (Ghidorah, det trehovede monster)
(Billedkredit: Toho)
I 1954 steg Godzilla op fra dybet og trampede gennem Tokyo, hvor han lagde byen øde med sin atomånde. Ti år senere blev Godzilla Jordens beskytter mod en endnu større trussel: Ghidorah, en gylden drage med tre hoveder, som stammer fra den japanske myte. Uanset hans oprindelse, om den er gammel eller fremmed, har Ghidorah – som fik sin filmdebut i 1964 i filmen Ghidorah, the Three-Headed Monster – vedvarende status som en af Godzillas største rivaler, et bæst, der er i stand til enorm ødelæggelse. Ghidorah er bare et fantastisk filmmonster og hæver sig over andre i Godzilla-kanonen på grund af sin skræmmende tilstedeværelse.
26. Barbarella (Barbarella)
(Billedkredit: Paramount Pictures)
Før prinsesse Leia dukkede op i en galakse langt, langt væk, var der Barbarella. Barbarella er en sensuel rumkriger, der får liv af den sprudlende Jane Fonda, og hun er en højenergisk heltinde, der bærer sin seksualitet på ærmet. (Det ville hun gøre, hvis hun havde nogen ærmer). Fondas Barbarella er en hyldest fra de sene 1960’ere til de slibrige pulp-tegneserier, og den er frydefuldt fjollet og tilbyder tematisk dybde, der kun er huddyb. Men takket være Jane Fondas talent og skønhed er Barbarella en ikonisk sci-fi-skærmdronning, som kan gøre rummet for varmt til at håndtere.
25. Christine (Øjne uden ansigt)
(Billedkredit: Janus Films)
Det er poetisk, at det i Georges Franjus Eyes Without a Face er den med den mest hæslige ansigtsdeformitet, hvis samvittighed forbliver intakt. I Franjus franske gyserklassiker spiller Édith Scob hovedrollen som Christine, den formodede døde datter af den berømte læge Dr. GÉnessier (Pierre Brasseur). I virkeligheden er Christine overlevende fra en voldsom bilulykke, og i sin isolation lider hun af ødelæggende ar. Det får Dr. GÉnessier (og hans assistent) til at kidnappe smukke unge kvinder og høste deres ansigter til eksperimentelle procedurer for at “kurere” Christines lidelse. Men mens hendes far er blevet et monster, bevarer Christine sin menneskelighed, selv om samfundet udenfor vil undgå hende til gengæld.
24. Butch Cassidy og Harry Longabaugh (Butch Cassidy and the Sundance Kid)
(Billedkredit: 20th Century Studios)
I deres første optræden som par på skærmen strålede Paul Newman og Robert Redford som de lovløse revolvermænd Butch Cassidy og “Sundance Kid” Harry Longabaugh. Med komplementære kontrasterende personligheder – Butch er den sprudlende shot-caller, og Harry foretrækker at holde sin hattekant lav og opmærksomheden rettet mod skolelæreren Etta – fortjener de to deres plads som en af filmhistoriens bedste mandlige duoer, og de blev forbilledet for actionkomediepar i årtier fremover. Længe før sociale medier og TikTok populariserede ideen om at have en “ride and die”, levede Butch Cassidy og Harry Longabaugh op til den ånd og nød udødelighed i deres freeze-frame slutbillede.
23. Dolores Haze (Lolita)
(Billedkredit: MGM)
Hvordan kunne de nogensinde lave en film om Lolita? De gav rollen til den 14-årige Sue Lyon, sådan var det. I Stanley Kubricks kontroversielle, men berømte filmatisering af Vladimir Nabokovs roman spiller Lyon Dolores Haze, som er genstand for den midaldrende professor Humbert Humberts hengivenhed (og det er hun faktisk). På trods af alle de læsninger, man kan foretage af Lolita, både romanen og dens uløselige filmversioner, er der altid spørgsmålet om Dolores selv. Hun bruger aldrig kælenavnet “Lolita”. Det bliver brugt af andre, og det fratager hende subjektiviteten.
Desværre kom Lyons mindeværdige portrættering med uhyggeligt passende ulemper for hende selv, da Lyons efterfølgende udtrykte problemer med at opretholde sit mentale og følelsesmæssige helbred efter at være blevet berømt i en ung alder på grund af sin seksualitet. I 1996 sagde Lyons til The Independent: “Min ødelæggelse som person stammer fra den film. Lolita udsatte mig for fristelser, som ingen pige i den alder burde udsættes for. Jeg udfordrer enhver køn pige, der som 14-årig bliver skudt op til stjernestatus i en sexnymferolle, til at holde sig på måtten derefter.”
22. Dolly Levi (Hello, Dolly!)
(Billedkredit: 20th Century Studios)
I de fleste versioner af musicalen Hello, Dolly!er Dolly Levi en elsket midaldrende kvinde, hvis nye liv giver hende lyst til at matche singler og blande sig i andres affærer. I filmversionen fra 1969 med superstjernen Barbara Streisand er Dolly Levi en smule mere grovkornet, men hun er ikke mindre fornøjelig at være vidne til, fordi hun er så livlig og farverig som sin strålende garderobe. Selvom Streisand efter sigende ikke kom godt ud af det med hverken sin medspiller Walter Matthau eller instruktøren Gene Kelly bag kulisserne, lagde det ikke en dæmper på Dolly Levi fra at eksplodere af udstråling.
21. Lucas “Luke” Jackson (Cool Hand Luke)
(Billedkredit: Warner Bros.)
Paul Newman cementerede for evigt sin plads i filmhistorien med sin præstation som den rebelske fængselsindsatte Luke Jackson i Stuart Rosenbergs klassiker Cool Hand Luke fra 1967. Da Newmans uovertrufne filmstjernekarisma bløder gennem Lukes beskidte fængselstråd, bliver Luke trodsighedens skytshelgen, der forstyrrer sit undertrykkende etablissement med en ægte sans for humor. Luke Jackson er en efterstræbelsesværdig anarkist, der får det til at se så forbandet godt ud at skabe uorden i kædebanden.
20. Løjtnant Frank Bullitt (Bullitt)
(Billedkredit: Warner Bros.)
Han kører en Mustang, som ingen anden mand kan, og han ser godt ud, mens han gør det. I den film, der er kommet til at definere Steve McQueens karriere, spiller McQueen den hårdkogte San Francisco-politibetjent Frank Bullitt, der efterforsker en sag, der involverer Chicago-mafiaen. Helt ærligt, så er detaljerne i historien ligegyldige. For det eneste, man kan huske om Bullitt, ud over den episke biljagt, er, hvor sej Frank Bullitt er. Som spillet af McQueen går og taler Frank Bullitt, som var han sprunget ud af et magasin. Med sin savleværdige rullekravesweater og misundelsesværdige Ford Mustang løb figurer som Bullitt, så andre som John McClane og John Wick kunne løbe.
19. Ryunosuke (Undergangens Sværd)
(Billedkredit: Toho)
På trods af den populære opfattelse af samuraier som ædle soldater, der værdsatte ære, fortæller Kihachi Okamotos film The Sword of Doom fra 1966 om en amoralsk sværdkæmper, Ryunosuke (Tatsuya Nakadai), der vandrer rundt i det feudale Japan og efterlader et spor af blodsudgydelser på sin vej. Ryunosuke er kold og grusom og bruger sin egen sværdstil, en uhyggelig form kaldet “Silent Stance”, der narrer modstanderne til at trække dem ind, før han hugger dem ned. Som en mørk antihelt, der kun lever og kæmper for sig selv, er Ryunosuke en af de mest frygtindgydende figurer i samurai-filmens historie, en person, der gør stille grin med Bushido-kodekset ved at være hurtigere, stærkere og mere dødbringende end alle, der står i vejen for ham.
18. Maria Von Trapp (The Sound of Music)
(Billedkredit: 20th Century Studios)
Hvordan løser man et problem som Maria? Et år efter Julie Andrews spillede en magisk barnepige for nogle britiske møgunger i Mary Poppins, blev hun igen guvernante for syv østrigske utilpassede i Robert Wise’s filmversion af Roger & Hammersteins The Sound of Music. Mens Mary Poppins svæver med al Disneys magi, er Andrews’ Maria Von Trapp mere jordbunden og en lærerig lærer i, hvad det vil sige at nyde livet og tage dets mange udfordringer op med en sang. Med Andrews’ tårnhøje præstation er Maria Von Trapp næppe et “problem”, der skal løses.
17. Major T.J. Kong (Dr. Strangelove)
(Billedkredit: Columbia Pictures)
Peter Sellers spiller flere karakterer i Stanley Kubricks Dr. Strangelove, men der er en karakter, han ikke spiller, som inspirerer til et af filmens mest varige billeder. Slim Pickens spiller med i krigssatiren fra 1964 som major T.J. “King” Kong, en tegneserieagtig patriotisk B-52 kommandør, der rider en H-bombe til jorden, mens han hujer og råber hele vejen ned. Det bedste er, at Pickens ikke fik at vide, at filmen var en sort komedie, og hele hans præstation er resultatet af at spille rollen så straight som muligt. Og endnu bedre: Ifølge Kubrick-biografen John Baxter i et dokumentarisk interview mødte Slim Pickens op på settet den første dag klædt i cowboytøj fra top til tå. Alle troede, at han ankom i kostume. De fandt senere ud af, at Slim Pickens bare altid klædte sig sådan i virkeligheden.
16. Mrs Robinson (The Graduate)
(Billedkredit: Lionsgate)
Skål for dig, Mrs Robinson. I Mike Nichols’ tidløse romantiske drama spiller Anne Bancroft hovedrollen som den uforudsigelige forførerske Mrs Robinson, en midaldrende kvinde i et kærlighedsløst ægteskab, som indleder en hed affære med den unge universitetsuddannede Benjamin (Dustin Hoffman). Langsomt bliver Mrs Robinson filmens antagonist, der bruger deres affære til at forhindre Benjamin i at date hendes datter Elaine. Fru Robinson er meget følelsesladet og manipulerende og er et bevis på, at nogle af de bedste filmskurke er dem, der kan lokke dig ind med et smil og en smøg.
15. “Pjerrot” Ferdinand og Marianne (Pjerrot le Fou)
(Billedkredit: Lionsgate)
I Jean-Luc Godards tiende film Pierrot le Fou, som bredt betragtes som hans mesterværk og indbegrebet af den franske nybølge, spiller de hyppige samarbejdspartnere Jean-Paul Belmondo og Anna Karina sammen som henholdsvis Ferdinand og Marianne. Ferdinand, en ægtemand, der er utilfreds med det moderne liv, vælger at flygte til Middelhavet med Marianne, en ekskæreste på flugt fra regeringens snigmordere. De to indleder et liv i kriminalitet, en ægte 1960’er-version af Bonnie og Clyde, men med mange flere bileksplosioner, skyderier og brud på den fjerde væg. Sammen er de nogle af de bedste karakterer, der nogensinde er dukket op i fransk film, og de hævder deres plads på deres egne usædvanlige måder.
14. Pauls bedstefar (A Hard Day’s Night)
(Billedkredit: United Artists)
Alle har ret til to. I den surrealistiske komedie A Hard Day’s Night med det legendariske rockband The Beatles spiller Wilfrid Brambell hovedrollen som John McCartney, Paul McCartneys “bedstefar”, der ledsager bandet på deres tur til og omkring London. “Paul’s Grandfather” opfører sig som en trickster, der er taget direkte ud af en historiebog, og han vender tommelfingeren nedad til enhver forestilling om, at han bare er en venlig gammel mand ved at rode sig ud i alle mulige problemer, fra spontant at blive gift igen til at forsøge at sælge forfalskede autografer. Selv i en film, der er fyldt med spøgefugle, skiller Pauls bedstefar sig dejligt ud og opfører sig, som om hele filmen faktisk handler om ham.
13. Inspektør Jacques Clouseau (Den lyserøde panter)
(Billedkredit: United Artists)
Inspektør Jacques Clouseau er klodset, men altid på sagen, uanset hvor meget man beder ham om ikke at være det, og han er et komisk spejl for heltene i de hårdkogte mysterier. Clouseau stammer fra Blake Edwards’ satire The Pink Panther fra 1964 og var noget af en opdagelse, da han blev spillet af Peter Sellers. Filmen er faktisk centreret omkring David Nivens Sir Charles Lytton, en gentleman-tyv, der forsøger at forpurre den uduelige Clouseau. Under produktionen indså filmskaberne, hvor stor en scenetyv Sellers’ Clouseau var, og begyndte derfor at skræddersy filmen omkring ham i stedet for dens egentlige “hovedperson”. Mens Clouseau var med til at gøre Den lyserøde panter til en franchise, er hans første optræden i den første film en overdimensioneret morsomhed, når den er bedst.
12. HAL 9000 (2001: En odyssé i rummet)
(Billedkredit: MGM)
Da science fiction modnedes som filmgenre i 1960’erne, viste Stanley Kubricks udødelige klassiker 2001: A Space Odyssey, hvordan kunstig intelligens kan være naturligt skræmmende. I Kubricks film bliver den skræmmende bløde supercomputer HAL 9000, som var designet til at hjælpe forskere om bord på rumskibet Discovery One på vej til Jupiter, deres fjende ved at dræbe dem og bruge skibet til at nedbryde besætningen en efter en. Selvom HAL 9000 efter alt at dømme er en skurk, rejser den spørgsmål, som menneskeheden stadig ikke ved, hvordan de skal besvare efter alle disse år, såsom værdien af et liv, selv om de “bare” er maskiner.
11. Corie Bratter (Barefoot in the Park)
(Billedkredit: Paramount Pictures)
I Gene Saks’ hylende morsomme filmversion af Neil Simons teaterstykke spiller Jane Fonda den livlige og lidenskabelige Corey, nygift hustru til den konservativt indstillede advokat Paul (Robert Redford). Mens Paul holder benene på jorden, gør Corey alt, hvad hun kan, for at få deres ægteskab til at føles himmelsk, selv når et hul i deres glastag gør det for bogstaveligt til at være behageligt. Sexet og sensationel, Corie og faktisk Barefoot in the Park som helhed er en film, der nogle gange overses og undervurderes i kanonen af 60’er-film. Men det er en af de mest livlige komedier i årtiet, og Fondas grænseløse appel som Corie gør filmen til en drøm.
10. Ben (Night of the Living Dead)
(Billedkredit: Janus Films)
I George Romeros grundlæggende zombie-horrorfilm Night of the Living Dead spiller skuespilleren Duane Jones hovedrollen som Ben, en fremmed, der bliver de facto leder af en gruppe mennesker på landet i Pennsylvania den nat, de udøde lærer at gå blandt de levende. Selvom publikum får meget lidt at vide om, hvem Ben egentlig er, før filmen starter, er han stadig prototypen for fremtidige survival horror-hovedpersoner. Night of the Dead var revolutionerende for sin tid, og er det på sin vis stadig, fordi den valgte en sort mandlig skuespiller som Jones som hovedrolleindehaver. Hans tilstedeværelse står i modsætning til konventionel visdom om, hvordan film sælger, hvilke historier sorte mænd kan forankre, og hvordan dens skræmmende slutning viser, hvordan vores fordomme gør os blinde over for vores virkelige fjender.
9. Guido Anselmi (8 ½)
(Billedkredit: Janus Films)
Som stand-in for instruktøren Frederico Fellini giver Marcello Mastroiannis portræt af en filmskaber, der lider af en kreativ tørkeperiode, hans berømte film 8 ½ et betydeligt præg af selvrefleksion. (Titlen er også et eksplicit nik til Fellinis karriere med henvisning til hans otte tidligere film). Fellini ligner dog slet ikke sit projicerede alter ego: Guido Anselmi, en maskulin kunstner med sølvfarvet hår, der skjuler sine ulmende øjne bag dyre solbriller. Aldrig før har plagede visionære sjæle set så stilfulde ud, og Guido Anselmi er deres forbillede.
8. Holly Golightly (Breakfast at Tiffany’s)
(Billedkredit: Paramount Pictures)
Blake Edwards’ filmversion af Breakfast at Tiffany’s foretager et par kritiske justeringer af Holly Golightlys karakter fra Truman Capotes originale roman. Men den eneste ene Audrey Hepburn får Holly til at føles dimensionel og kompleks på trods af sit elegante ydre. Holly er ikke kun et stilikon, der legemliggør 60’ernes storbymode, hun er også en drømmeagtig figur, et væsen, der kun kan skabes i de lukkede miljøer i en romantisk Hollywood-komedie, men stadig føles levende nok til at træde ud af skærmen. Hun er smuk og sofistikeret, men aldrig for god til et hjerteligt grin. At hun er lige så plaget, som hun er ensom, gør hende endnu mere tiltrækkende. Selv modemagasinerne er tilbøjelige til at have rynker.
7. Nana (Vivre sa vie)
(Billedkredit: Janus Films)
Film har ikke altid en lykkelig slutning. Folk, der forfølger deres drømme, bliver ikke altid belønnet for deres indsats og udholdenhed. Det er den tanke, der spøger i Jean-Luc Godards mørke franske nybølgedrama Vivre sa vie. Anna Karina spiller hovedrollen som den smukke, unge pariserinde Nana, der forlader sin mand og sit lille barn for at forfølge en skuespillerkarriere, men må prostituere sig for at få enderne til at mødes. Vivre sa vie’s grusomme slutning er ikke bare barsk i sin konstruktion – en eksplosion af vold efterfulgt af en brat klipning til sort – men også hvor skødesløst den kasserer sin komplekse hovedperson, et individ, som vi har set udtrykke hele spektret af menneskelighed for så pludselig at blive efterladt.
6. Norman Bates (Psycho)
(Billedkredit: Universal Pictures)
Psycho er ikke bare en af de mest indflydelsesrige gyserfilm nogensinde, dens antagonist Norman Bates (Anthony Perkins) er en af de mest centrale karakterer i filmhistorien. Man kan undervise et helt college-kursus i, hvad Norman Bates repræsenterer inden for psykologi og kønsstudier, for ikke at nævne, hvordan gyser- og spændingsfilm er afhængige af narrative drejninger for at holde publikum hen i det uvisse, som Psycho gjorde. Men frem for alt er det Anthony Perkins, der giver Norman Bates en uhyggelig tekstur, så han ikke ligner en skuespiller, der spiller en rolle, men mere en ulv, der tager en forklædning på. Der er noget bag hans smil, og intet af det er godt.
5. Dr. John Wade Prentice og Christina Drayton (Gæt hvem der kommer til middag)
(Billedkredit: Columbia Pictures)
På en måde er der ikke noget bemærkelsesværdigt ved Dr. John Prentice og Christine Drayton. De er forelskede yuppier, så nemme at forestille sig i matchende Mickey- og Minnie-t-shirts i Disneyland eller rave om en kedelig bed and breakfast. Men Stanley Kramers Guess Who’s Coming to Dinner blev udgivet i 1967, hvor raceblanding stadig var ulovligt i mange dele af USA. Så dette behagelige par, en sort mandlig læge (den legendariske Sidney Poitier) og den unge hvide datter (Katharine Hepburn) af velhavende hvide liberale, er faktisk radikale karakterer, mindre som mennesker end det, de repræsenterer: Hvordan kærlighed kan og vil overskride racemæssige baggrunde. At være en let romantisk komedie, der utvetydigt beskæftiger sig med racisme gennem sit smukke par, gør Guess Who’s Coming to Dinner uendeligt meget vigtigere og mere konsekvensfuld, end dens gode udseende antyder.
4. Sanjuro (Yojimbo og Sanjuro)
(Billedkredit: Toho)
Toshiro Mifune spillede andre karakterer end samuraier i hele sin filmkarriere. Men han er stadig stærkt forbundet med dem, og det er på grund af film som Yojimbo og Sanjuro, hvor han spillede hovedrollen som den vandrende anonyme ronin, der går under navnet Sanjuro. Mens Yojimbo og Sanjuro er forskellige film med hensyn til historien – sidstnævnte startede som en filmatisering af en roman, før den blev omarbejdet til en direkte efterfølger til den massivt succesfulde førstnævnte – har de begge den fyrige Toshiro Mifune som den frygtindgydende sværdkæmper, der kommer ud i forskellige affærer på sine rejser. Hvis samuraifilm virkelig er analoge med westerns, så kan en figur som Sanjuro helt sikkert konkurrere med, og måske dele en masse til fælles med, figurer som Manden uden navn.
3. Manden uden navn (The Dollars Trilogy)
(Billedkredit: MGM)
Det var ikke Sergio Leones hensigt, at Clint Eastwoods smarte revolvermand uden navn skulle lede en filmtrilogi. Men fra A Fisful of Dollars i 1964 til The Good, the Bad, and the Ugly i 1966 spillede Clint Eastwood en af de største og mest gådefulde antihelte i hele kanonen af westernfilm. Bragt til live af en svedig Eastwood med skelende mandeløjne, en dårlig attitude og en poncho (hvis oprindelse på skærmen faktisk skaber en semi-defineret tidslinje for trilogien), er Manden uden navn simpelthen en af de sejeste og farligste mænd, der nogensinde har holdt en revolver, en formativ figur, som figurer som John Wick, John Marston og The Mandalorian skylder en gæld.
2. James Bond (007-serien)
(Billedkredit: MGM)
Hans navn er Bond… James Bond. Han startede som den problematiske spion i Ian Flemings litterære værker, men det var Sean Connery, der for altid formede vores indtryk og efterfølgende forventninger til James Bond i årtier fremover. Han er flot, han er karismatisk, han er lidt for håndfast efter moderne smag. Men han er Bond, en handlingens mand og en mystisk mand, som generationer altid vil stræbe efter at efterligne.
1. Atticus Finch (At dræbe en sangfugl)
(Billedkredit: Universal Pictures)
Det kræver mere end at vide, at man gør det rigtige. Man skal vide, hvordan man gør det rigtige, stå op for det og argumentere for det. Selv når folk omkring dig stirrer dig i øjnene for at sige noget andet. I Robert Mulligans filmatisering af Harper Lees klassiske roman puster Gregory Peck liv i modeladvokaten Atticus Finch, som argumenterer på vegne af en uskyldig sort mand, der er anklaget for at have voldtaget en ung hvid kvinde i det raceadskilte Alabama. (To Kill a Mockingbird blev udgivet hele to år før Civil Rights Act fra 1964 erklærede raceadskillelsen for ulovlig).
Det er en populær legende, at Atticus Finch har været en ubekvem rollemodel blandt idealistiske advokater. Men det ophæver ikke Atticus’ magt som karakter, lærerig i sin moral og en nordstjerne for os alle, der ved, at rigtigt og forkert ikke er et simpelt spørgsmål om, hvad alle andre tror, det er. Atticus Finch er ikke bare en af de bedste filmkarakterer fra 1960’erne – han er en af de bedste, der nogensinde er blevet skabt.