I det første årti helt fri for snævre indholdsbegrænsninger, men plaget af mareridt om Vietnamkrigen, ændrede film sig for evigt i 1970’erne. Men hvilke af dem er egentlig de bedste?
Efter at udenlandske filmskabere havde regeret i 1960’erne, var en ny bevægelse af “New Hollywood” i fuld gang med hjemlige Hollywood-instruktører, der udøvede mere kreativ kontrol over deres arbejde end tidligere. På samme tid så verden, og især Amerika, dyster ud, hvis man skulle dømme ud fra de nyheder, der blev formidlet af den stadigt stigende tilstedeværelse af tv. Midt i politiske skandaler, korrupte regeringer, stigende kriminalitet og stigende kynisme afspejlede film en lignende melankolsk og/eller nihilistisk stemning. Selv miraklet med månelandingen i 1969 kunne ikke inspirere til varig forundring over stjernerne, da filmskaberne gjorde rummet til et meget skræmmende sted.
Underdog-sportshelte, onde ånder, besøgende fra rummet, Shaolin-munke, selvtægtsmænd, dræberhajer og meget mere definerer et kompliceret årti, der stadig er påvirket af synderne fra Vietnam og en genopblussen af spændingerne fra den kolde krig. Men hvilke film underholdt publikum i disse foruroligende tider? Her er de 32 bedste film fra 1970’erne.
32. Slap Shot (1977)
(Billedkredit: Universal Pictures)
Arkiver den her under: Hvad laver Paul Newman her? Slap Shot er skrevet af manuskriptforfatter Nancy Dowd og løst inspireret af hendes virkelige brors ishockeyhold, der blev solgt, og er en grovkornet opstand om et kæmpende ishockeyhold i en lille by, der får et stort boost, da de nyeste spillere, Hanson-brødrene, udløser spektakulære smackdowns på isen til glæde for fansene. Slap Shot, der er instrueret af George Roy Hill, er ældre end de fleste kultsportskomedier, men denne overgår dem alle med sin hulemandsatmosfære, lattervækkende indslag og Oscar-vinderen Paul Newman – som spillertræner Ruggie Dunlop – der er uventet afslappet som en grå omklædningsrumsveteran med en misundelsesværdig garderobe.
31. Wanda (1970)
(Billedkredit: Bardene International Films)
Wanda er et skelsættende stykke uafhængig filmproduktion og følger en kvinde uden fremtidsudsigter, som ender i selskab med en bankrøver. Wanda er skrevet af forfatteren, instruktøren og hovedrolleindehaveren Barbara Loden og er et medfølende og tragisk portræt af kvinder, der falder igennem det moderne samfunds sprækker, og den afspejler Lodens egne følelser af formålsløshed på det tidspunkt. Loden blev diagnosticeret med brystkræft et par år senere og døde i 1980, og Wanda endte som Lodens eneste instruktørarbejde. Men selv med kun én film påvirkede Loden generationer af uafhængige kunstnere og satte en permanent standard for ikonoklast-film.
30. Nashville (1975)
(Billedkredit: Paramount Pictures)
I Robert Altmans episke musikalske komedie Nashville bliver et ugelangt politisk møde og en musikfestival et terrarium for 1970’ernes Amerika, hvis politiske og sociologiske storhed er kondenseret i et mikrokosmos af countrymusikindustrien. Filmen er berømt for sit store ensemble af skuespillere, herunder David Arkin, Ned Beatty, Karen Black, Shelley Duvall, Jeff Goldblum, Lily Tomlin og alt for mange flere til at nævne. Selvom Altmans film er marineret i den politiske og sociale dynamik i midten af 70’erne, er den stadig uhyggeligt relevant årtier senere.
29. Suspiria (1977)
(Billedkredit: Produzioni Atlas Consorziate)
Dario Argentos klassiker Suspiria fra 1977 er en gigant inden for giallo-horror og et overjordisk værk om de mørke sider af matriarkater og feminin kunst. Jessica Harper spiller hovedrollen som en amerikansk ballerina, der skifter til et prestigefyldt akademi i Tyskland, kun for at finde ud af, at skolen er beboet af en hekseflok. I dette korrumperede eventyr slipper Argento den fulde kraft af levende Technicolor løs med et angreb af røde, blå og lyserøde paletter, der hvirvler sammen i noget, der ligner et påkaldelsesritual. Kombineret med en nervepirrende atmosfære fremkaldt af et slående score af det progressive rockband Goblin er Suspiria uforglemmeligt yndefuld og grusom.
28. American Graffiti (1973)
(Billedkredit: Universal Pictures)
George Lucas var kun 29 år gammel, da hans coming-of-age-klassiker American Graffiti blev vist i biograferne med strålende anmeldelser. Den kommende Star Wars-instruktør var næppe i sin midtvejskrise, da han udviste vemodig nostalgi for sine teenageår i 1962, som en af mange ustyrlige unge, der satte sig ind i opskruede hot rods og cruisede efter eventyr i deres egne downtowns. Mens Lucas’ navn nu er synonymt med store eskapistiske blockbusters, føles hans mest jordnære film, som følger en flok rock’n’roll-teenagere over en sommernat i Lucas’ californiske hjemby Modesto, stadig levende som et semi-selvbiografisk periodestykke lavet gennem øjnene på en, der ikke er meget ældre end hans egne karakterer.
27. The Rocky Horror Picture Show (1975)
(Billedkredit: 20th Century Studios)
Instrueret af Jim Sharman og baseret på musicalen fra 1973 blev denne livlige hyldest til sci-fi og B-klasse gyserfilm for det meste ignoreret ved udgivelsen, da den blev plaget af dårlige anmeldelser og endda fik sin Halloween-verdenspremiere i New York City aflyst. Det var først et år senere, at filmen endelig fandt en legion af fans og cementerede sin status som en midnatsfilm-titan. Susan Sarandon og Barry Bostwick spiller hovedrollerne som et ungt par, der bliver fanget i en gal videnskabsmands uhyggelige palæ (uforglemmeligt spillet af Tim Curry). Med sin modbydelige æstetik og smittende musik er The Rocky Horror Picture Show en evig invitation til at tage tidsrejsen igen og igen og igen.
26. Den franske forbindelse (1971)
(Billedkredit: 20th Century Studios)
William Friedkins crime noir, der bredt betragtes som en af de bedste film nogensinde og indeholder en af historiens største biljagter, er baseret på en sand historie og indfanger meget passende autentisk det vinterlige snavs i New York i begyndelsen af 1970’erne. The French Connection deler tiden mellem New York og det mere naturskønne Frankrig og følger to hårdkogte NYPD-detektiver (spillet af Gene Hackman og Roy Scheider), hvis efterforskning af en narkoring afslører en storstilet international plan. The French Connection er symbolsk for årtiets moralske forfald og rammer stadig hårdt efter alle disse år.
25. Annie Hall (1977)
(Billedkredit: United Artists)
Selvom beundringen for Woody Allen forståeligt nok er dalet med årene, fortjener Annie Hall stadig at blive hyldet som en uhyrligt legesyg og dybt tankevækkende undersøgelse af moderne romantik. Med forfatter/instruktør Allen, der dybest set spiller sig selv (chokerende, jeg ved det), følger filmen en neurotisk komiker, der spørger sig selv, hvorfor hans forhold til hans seneste kæreste, Annie Hall (Diane Keaton), gik i stykker. Annie Hall er løsrevet fra virkeligheden og fortalt på en ikke-lineær måde, der zapper mellem hovedpersonens usædvanlige barndom og hans andre mislykkede ægteskaber, og har så længe holdt sit domæne som kongen af romantiske komedier, om end med en lykkelig slutning, der stadig er ulig de fleste traditionelle rom-coms.
24. Halloween (1978)
(Billedkredit: Trancas International Films)
Alt, hvad du behøver at høre, er de hjemsøgende klavertoner for at vide, at du er i spytteafstand fra en morder i en uhyggelig hvid Kaptajn Kirk-maske. John Carpenters fjerde film, Halloween, er grundlæggende i slasher-genren og stadig en af de bedste, den har at byde på. Skuespillerinden Jamie Lee Curtis blev berømt som Laurie Strode, en helt almindelig high school-pige, der på Halloween-natten bliver forfulgt af Michael Myers (spillet af Nick Castle og Tony Moran), en næsten uovervindelig morder, der er flygtet fra en psykiatrisk afdeling. Selvom Halloween har inspireret til masser af efterfølgere, der udgør en af de mest lukrative gyserfilm-franchises nogensinde, er den originale film et individuelt kunstværk om de tavse traumer, der lurer i nabolag overalt.
23. Kramer vs. Kramer (1979)
(Billedkredit: Columbia Pictures)
I Robert Bentons hjerteskærende drama, baseret på en roman af Avery Corman fra 1977, afslører en bitter skilsmisse mellem et ungt par – spillet af Meryl Streep og Dustin Huffman – de mange måder, hvorpå samfundet pålægger folk byrdefulde forventninger om at opdrage en familie, som deres knæ bøjer sig under. I denne historie er der ingen skurke (bortset fra nogle idiotiske advokater), kun den kolde, hårde sandhed, at kærligheden kan komme til kort over for det, vi faktisk ønsker og har brug for. I 1979 fandt Kramer vs. Kramer genklang hos publikum med sin autentiske skildring af moderne familier; ifølge data fra CDC nåede skilsmisseraten et rekordhøjt niveau på 22,8 procent det samme år.
22. Superman: Filmen (1978)
(Billedkredit: Warner Bros.)
Med den flotte Christopher Reeve som manden af stål, sammen med Margot Kidder og Gene Hackman, troede publikum virkelig på, at en mand kunne flyve. Baseret på DC Comics-ikonet skabt af Jerry Siegel og Joe Shuster, beviste Richard Donners banebrydende superheltefilm (og skabelon for Marvel Cinematic Universe), at tegneseriehistorier kan fortælles med skuespillere af kød og blod på lærredet. Midt i et turbulent miljø hjemsøgt af Vietnam, Watergate-skandalen og den eksistentielle frygt, som den kolde krig skabte, mindede Superman: The Movie publikum om, at selv dem med magt stadig kan stå for sandhed og retfærdighed. Burde det ikke være den amerikanske måde?
21. Ind i dragen (1973)
(Billedkredit: Warner Bros. Pictures)
Bruce Lee er en større stjerne i døden, end han nogensinde var i live, og det skyldes i høj grad den dragende Enter the Dragon. Selv om Robert Clouse stod i spidsen for filmen, huskes Enter the Dragon bedst som den legendariske hovedrolleindehavers mulighed for at stråle med supernova-energi i sin eneste Hollywood-film. Enter the Dragon er et mesterværk i kampsportsmachismo med Lee i hovedrollen som en Shaolin-munk, der rekrutteres af det britiske militær til at undersøge en forbryderherres ø-fæstning. Det tragiske ved Bruce Lees død, som skete under mærkelige omstændigheder blot et par måneder før filmens premiere, var, at han tydeligvis var bestemt til så meget mere. Enter the Dragon giver kun et glimt af, hvad der kunne have været.
20. Saturday Night Fever (1977)
(Billedkredit: Paramount Pictures)
Intet definerer 1970’erne som disco, og ingen film definerer disco som John Badhams Saturday Night Fever. Med sit monsterhit-soundtrack og en ung John Travolta, der svajer som en hysterisk påfugl, er Saturday Night Fever et angreb på sanserne, som ikke er bleg for at kigge ind i diskotekets mørke hjørner. Travolta spiller en 19-årig fra arbejderklassen, der knokler i sin isenkræmmer i løbet af ugen for at kunne leve som en konge hver lørdag aften på sin yndlingsnatklub. Mens den artikel i et magasin, som filmen var inspireret af, viste sig at være en farce, gjorde Saturday Night Fever virkelig diskoteket til Amerikas besættelse i et uforglemmeligt øjeblik.
19. Nærkontakt af tredje grad (1977)
(Billedkredit: Sony Pictures)
Forud for Steven Spielbergs egen seismiske film E.T.: The Extra-Terrestrial er hans 1977-epos Close Encounters of the Third Kind. Efter et tilfældigt møde med en UFO finder en elektriker fra Indiana (Richard Dreyfuss) vej til en plads på første række ved det første officielle møde mellem Jorden og et fremmed samfund. Close Encounters of the Third Kind er et blændende skuespil med en særlig kongelig tone og atmosfære, der overgår de fleste alien invasion-film før og siden, og den var forløberen for en nær fremtid fuld af moden science fiction.
18. Hjortejægeren (1978)
(Billedkredit: Universal Pictures)
I kølvandet på Vietnam tøvede størstedelen af Hollywood med at tage fat på den amerikanske udenrigspolitiks forfærdelige fiasko, hvor masser af menneskeliv blev spillet som brikker. Men Michael Ciminos The Deer Hunter (med Robert De Niro, Christopher Walken og Meryl Streep på rollelisten) var en af de første og stadig den mest bemærkelsesværdige film, der direkte beskæftigede sig med Vietnamkrigens forfærdelige erosion af den nationale moral. Der er forskellige opfattelser af, hvordan The Deer Hunter afveg fra det oprindelige manuskript, som foregik i Las Vegas’ underverden, men Ciminos film er et uafrysteligt, ublu kraftværk om tætknyttede venner fra Pennsylvania, hvis liv for altid bliver ændret af deres militærtjeneste i Vietnam. Dens centrale “spil” russisk roulette blev af den store kritiker Roger Ebert fortolket som et “organiserende symbol” om tilfældig vold, der “gør ethvert ideologisk udsagn om krigen overflødigt.”
17. The Sting (1973)
(Billedkredit: Universal Pictures)
Et par år efter at have samarbejdet med både Robert Redford og Paul Newman i Butch Cassidy and the Sundance Kid, genforenede instruktøren George Roy Hill de to dekorerede skuespillere i endnu en filmisk forbløffende film, The Sting. Denne upåklageligt stilfulde nostalgiske krimi, der foregår under den store depression, fortæller om to svindlere, der slår sig sammen for at snyde en mafiaboss. Personernes utroligt detaljerede planer komplimenteres af deres fine tøj, et afslappet ragtime-soundtrack og et generelt fornemt æstetisk design, der målrettet leder tankerne hen på følelsen af at bladre gennem støvede eksemplarer af The Saturday Evening Post. Med Redford og Newman fyrende på alle cylindre er det bare for nemt for The Sting at tage røven på dig.
16. Carrie (1976)
(Billedkredit: United Artists)
Den ultimative anti-mobbekampagne, der nogensinde er udtænkt, må være Carrie, Brian De Palmas evige gyserklassiker. Baseret på den lige så formidable debutroman af Stephen King handler Carrie om en genert, mobbet teenager (spillet af Sissy Spacek), der udvikler overnaturlige kræfter og bruger dem til at hævne sig på hele sin skole. Selvom filmens slowmotion-hældning af griseblod er blevet latterliggjort i det uendelige, er Carrie stadig hjemsøgende i sin mareridtsagtige skildring af high school, og hvordan den for mange uheldige er traumatiserende nok til at efterlade dybe sår.
Carrie £8.99 hos Waterstones
15. Network (1976)
(Billedkredit: United Artists)
For enhver, der har følt sig gal som ind i helvede og ikke kan tage det længere, er der Network. Sidney Lumets mørkt komiske drama er en banebrydende social kommentar om det uholdbare i mediernes endeløse sensationslyst og handler om et tv-netværk på randen af kollaps, indtil dets respekterede ankermand, Howard Beale (Peter Finch), truer med at begå selvmord på direkte tv. Hans mani vokser i takt med de øgede seertal, og Network udforsker smag og behag i en lavine af giftig information. Network er langt forud for kabelnyhedernes og de sociale mediers æra, men selv efter alle disse år har den aldrig mistet sin pointe.
14. En fløj over gøgereden (1975)
(Billedkredit: United Artists)
Jack Nicholson og Louise Fletcher spiller sammen i MiloŠ Formans One Flew Over the Cuckoo’s Nest, et mørkt drama, der foregår på en psykiatrisk institution i Oregan, hvor en patient (Nicholson) er prisgivet den tyranniske sygeplejerske Ratched (Fletcher) og leder et oprør blandt sine medpatienter mod hende. Baseret på Ken Keseys roman fra 1962 eksisterer filmen som en berømt anti-konformitetsmetafor; selvom Roger Ebert i en strålende anmeldelse fra 2003 påpeger, at den overforenkler løsningerne på psykiske sygdomme, er det egentlig ikke pointen, “fordi den ikke har nogen interesse i at handle om sindssyge,” skrev Ebert. “Den handler om en fri ånd i et lukket system.”
Sjovt at bemærke: Filmen blev optaget på Oregon State Hospital, et legitimt fungerende psykiatrisk hospital. Til gengæld for at lade filmskaberne bruge lokationen og skuespillerne til at skygge rigtige patienter til research, måtte hospitalets patienter blive en del af filmens crew. I en artikel for The Guardian i 2017 udtalte skuespilleren Michael Douglas, som producerede filmen: “Vi endte med at have en række [patienter], der arbejdede i forskellige afdelinger. Jeg indså først senere, at mange af dem var kriminelt sindssyge. Vi havde en brandstifter, der arbejdede i kunstafdelingen.”
13. Solaris (1972)
(Billedkredit: Mosfilm)
Forestil dig, at du hader en anden film så meget, at du laver din egen bare for at stikke til dem. Det var sådan, den russiske filmskaber Andrei Tarkovsky greb sin sci-fi-film Solaris an (baseret på Stanislaw Lems roman fra 1961) som et modsvar til Stanley Kubricks 2001: A Space Odyssey. Filmen foregår på en rumstation i kredsløb om den fiktive planet Solaris, hvor en psykolog (spillet af Donatas Banionis) sendes ud på en mission for at psykoanalysere besætningen, som har meldt, at de er ved at bukke under for en følelsesmæssig krise. I modsætning til Kubricks film er Tarkovskys Solaris ikke præget af pletfrit design, men af en slidt og nedslidt æstetik, der taler til en mere ægte menneskelig oplevelse. Tarkovsky instruerede sin art director: “Lad os få vores rumstation til at ligne en nedslidt gammel bus og ikke en futuristisk rumutopi.”
12. Dirty Harry (1971)
(Billedkredit: Warner Bros.)
Da Hays-koden blev opløst i 1968, dukkede Clint Eastwood op med en .357 Magnum i hånden med Dirty Harry i 1971. Filmen, der er instrueret af Don Siegel, har Eastwood i hovedrollen som den korrupte San Francisco-strisser “Dirty” Harry Callahan, der nok er filmens definitive antihelt på grund af hans stædige vilje til at opretholde loven, hvilket ironisk nok ofte får ham til at bøje den. Mens Dirty Harry skabte en franchise, er den første film et tårnhøjt værk, hvor Hollywood endelig, virkelig gav sig hen til vold på skærmen, som var A-OK i sin retfærdiggørelse af Harrys misforståede retfærdighed. Eastwoods retoriske spørgsmål “Do you feel lucky, punk?” er indbegrebet af et amoralsk årtis miasme.
11. Rocky (1976)
(Billedkredit: United Artists)
Efter i årevis at have kæmpet for at slå igennem som skuespiller, var Sylvester Stallone tæt på at opgive en karriere som skuespiller, indtil han langsomt fik arbejde som tv-statist. Så trådte han ind i ringen med Rocky, og han har aldrig været den samme siden. I John G. Avildsens følelsesladede sportsdrama spiller Stallone den håbefulde bokser og inkassator Rocky Balboa, som bliver kastet ind i hovedbegivenheden, da sværvægtsmesteren Apollo Creed (Carl Weathers) udvælger Rocky til at kæmpe i en professionel opvisningskamp. Rocky er et medrivende underdog-sportsdrama, der har inspireret utallige lignende film, og den er stadig en af de bedste sportsfilm nogensinde. Den skabte forudsigeligt nok en franchise, hvor Rocky III gav verden “Eye of the Tiger”.
10. A Clockwork Orange (1971)
(Billedkredit: Warner Bros.)
Stanley Kubricks surrealistiske dystopiske drama, en filmatisering af Anthony Burgess’ roman fra 1962, er simpelthen en af de mest foruroligende film nogensinde. Centreret omkring en uhyggeligt karismatisk teenagebandeleder (spillet af Malcolm McDowell), skildrer Kubricks tematisk tætte film de ekstreme ender af ungdomskriminalitet, svækket social sammenhængskraft og autoriteternes afmagt. Dens forfærdelige vold på skærmen har en pointe, men i lang tid har der desværre været folk, der ikke forstod pointen, og filmen har på kontroversiel vis inspireret til kopiforbrydelser i det virkelige liv. Selvom A Clockwork Orange blev trukket tilbage fra biograferne på Kubricks opfordring, overlever den som et mesterværk, der kanaliserer sine mange idéer gennem labyrintens smalle stier.
A Clockwork Orange£6.39på Amazon£8.19på Hit£9.69på Hive Books
9. Chinatown (1974)
(Billedkredit: Paramount Pictures)
Man kan definere Roman Polanskis Chinatown ud fra dens sidste replik: “Glem det, Jake. Det er Chinatown.” Præmissen er bedragerisk enkel: I 1937 hyrer en kvinde (Faye Dunaway) privatdetektiven Jake Gittes (Jack Nicholson) til at forfølge sin mand på grund af mistanke om utroskab. Det, der faktisk sker, er en udgravning i flere lag af de mørke dybder, som menneskeheden er i stand til på foruroligende vis, og filmen bruger film noir- og mysteriekonventioner til virkelig at fungere som et psykologisk drama. Chinatown er ikke bare et sted i filmen, men en metafor for kaos, ondskab og meningsløshed, hvor det bedste og mest moralske, man kan gøre, er ikke at gøre noget.
8. Apokalypse Nu (1979)
(Billedkredit: United Artists)
Francis Ford Coppola mistede næsten forstanden, da han lavede Apocalypse Now. Stresset over talrige problemer på settet, herunder et oppustet budget, en optagelsesplan, der strakte sig langt ud over de planlagte fem måneder, ødelæggende storme på Filippinerne, og Charlie Sheen, der fik et hjerteanfald, indrømmede Coppola selv i 1991: “Lidt efter lidt blev vi sindssyge.” Det er svært at sige uden at være Coppola, om smerten var det værd, men årtier efter udgivelsen i 1979 betragtes Apocalypse Now bredt som en megaklassiker og en ædelsten i New Hollywood-kanonen. Filmen er et fantasmagorisk spring ind i Vietnamkrigen og handler om en militærkaptajn (Sheen), der i al hemmelighed får til opgave at myrde en skurkagtig oberst (Marlon Brando), der tilbedes af sine mænd og de lokale som en halvgud. Apocalypse Now er strålende og dristig og uden tvivl den definitive film om Vietnamkrigen, men den vækker genklang hos alle, der har været i helvede og tilbage igen.
7. Eksorcisten (1973)
(Billedkredit: Warner Bros.)
Det er en film, der skræmte publikum så meget, at mund-til-mund rygtet spredte sig som en steppebrand, hvilket måske gjorde den til det første virale hit. Denne filmatisering af William Peter Blattys roman (som også skrev manuskriptet) er instrueret af William Friedkin og fortæller om en præst (Jason Miller), der lider af en troskrise, og som får til opgave af kirken at undersøge en ung piges (Linda Blair) dæmoniske besættelse. The Exorcist var en blockbuster, der ikke bare gjorde gysergenren mere mainstream, men også respektabel og beviste, at den er i stand til så meget mere end makeup og monstre. I dette tilfælde at være en skræmmende film om, hvad det vil sige at konfrontere selvtvivlens ondskab. Lidt trivia til dig: Filmen var komisk nok planlagt til en udgivelse dagen efter jul, den 26. december. Friedkin ønskede en anden dato, men filmhistorikeren Sarah Crowther har en teori om, at datoen blev valgt med vilje for at skabe lidt polemik.
6. Alle præsidentens mænd (1976)
(Billedkredit: Warner Bros.)
Den 17. juni 1972 skete der noget i Democratic National Committees hovedkvarter i Washington D.C. Dette noget var Watergate-skandalen, som blev til en bog af Washington Post-journalisterne Carl Bernstein og Bob Woodward. Fire år senere blev Bernsteins og Woodwards efterforskning til en af årtiets mest definerende film: All the President’s Men, instrueret af Alan J. Pakula. All the President’s Men er en film, der hylder opfindsomhed og dydige principper under et hensynsløst, korrupt styre, og den er medrivende netop på grund af sit uglamourøse blik på den stædige vedholdenhed i gumshoe-journalistikken. Det er en profession fuld af lukkede døre, ignorerede telefonopkald og anonyme kryptiske samtaler. Alligevel holder Pakulas film aldrig op med at være så spændende, mens to mænd søger sandheden, når ingen andre er i stand til at gøre arbejdet.
5. Alien (1979)
(Billedkredit: 20th Century Studios)
Ridley Scotts monumentale sci-fi-horrorfilm skabte ikke kun en varig franchise og gjorde Sigourney Weaver og John Hurt til stjerner, men formede også sproget og æstetikken for alle fremtidige genrehybrider. Filmen foregår i en fjern fremtid, hvor rumrejser er hverdagskost, og den syv mand store besætning på det kommercielle slæbebåd Nostromo vækkes for tidligt fra stasis af et nødopkald. Da eventyrgruppen vender tilbage fra deres undersøgelse af et forladt rumskib, medbringer de uden at vide det et fremmed væsen, som hurtigt vokser til en syrespyende trussel, der truer dem alle. Med sin ikoniske tagline “In space, no one can hear you scream,” gav Alien med ét slag et nyt, skræmmende ansigt til to legendariske genrer.
4. Taxi Driver (1976)
(Billedkredit: Columbia Pictures)
Instruktøren Martin Scorsese havde tænkt sig, at Taxi Driver skulle føles som en drøm, men den er mere som en feberinduceret hallucination som en psykologisk thriller om en sindsforvirret mands mission om at rydde op i et korrupt New York City på egen hånd. Med Robert De Niro i hovedrollen som Travis Bickle, en traumatiseret veteran fra Vietnamkrigen og natlig taxachauffør, er Taxi Driver som at kigge ind i hjernen på en usikker mand, der overkompenserer for sine mangler med ekstrem maskulinitet og storhedsvanvid. Flere årtier efter udgivelsen i 1976 er Scorseses kontroversielle film – som inspirerede til mindst ét mordforsøg på præsidenten – stadig alarmerende relevant.
3. The Godfather (1972)
(Billedkredit: Paramount Pictures)
Francis Ford Coppola kunne have stoppet ved The Godfather, og han ville stadig være en æret filmkunstner. Baseret på Mario Puzos bestseller fra 1969 om et fiktivt italiensk mafia-dynasti har Coppolas udødelige film Al Pacino og Marlon Brando (plus James Cann, Robert Duvall og Diane Keaton) i hovedrollerne som lederne af forbryderfamilien Corleone. I Coppolas omfattende epos, der udspiller sig mellem 1945 og 1955, vokser Michael Corleone (Pacino) fra at være den yngste søn, der ikke engang vil tænke på sin families forretning, til at overtage sin fars rolle. The Godfather er en ægte amerikansk klassiker og virkelig en af de bedste film nogensinde i sit dramatiske studie af familiedynamik, samtidig med at den indfanger den italienske mafias atmosfæriske verden i efterkrigstidens Amerika.
The Godfather £6.63 hos Amazon
2. Stjernekrigen (1977)
(Billedkredit: 20th Century Studios)
Den skabte en af de mest lukrative og mest anerkendte mediefranchises i verden. Men selv om den aldrig gjorde det, er George Lucas’ film Star Wars fra 1977 (siden omdøbt til Star Wars: Episode IV – A New Hope) en kunstnerisk præstation af ren fantasi. Star Wars udsprang af Lucas’ egen manglende evne til at lave en Flash Gordon-film og er frem for alt en klassisk historie om det gode mod det onde, hvor de små underdogs bevæbnet med progressive idealer stadig kan vinde over overlegne styrker. Mark Hamill, Harrison Ford, Carrie Fisher, Alec Guinness og James Earl Jones’ imponerende stemme befolker det ultimative eskapistiske eventyr fra en galakse langt, langt væk.
Star Wars 9,95 £ på Amazon 12,98 £ på Amazon 13,60 £ på Amazon
1. Dødens gab (1975)
(Billedkredit: Universal Pictures)
Bare fordi det er sommer, betyder det ikke, at du ikke skal frygte mørket i afgrunden under dig. I Steven Spielbergs definitive monsterhorrorfilm Jaws bliver en naturskøn strandby terroriseret af en særlig sulten hvidhaj, der tæller lig som en kalkuleret seriemorder. I en af de første ægte Hollywood-blockbustere overvandt Spielberg på smart vis tekniske problemer med hajen for at skabe en atmosfære af evig, uforudsigelig frygt; intet er virkelig mere skræmmende, når man ikke ved, hvor monsteret er på noget tidspunkt. Selvom der er mange flere film fra 1970’erne, der fortjener samme anerkendelse som nogle af de bedste nogensinde, er kun én af dem værdig nok til at kræve en større båd.
Jaws8.1/10Se på Netflix£6.39på Amazon£9.69på Hive Books