I det første årti efter Anden Verdenskrig var den globale filmindustri ikke gået glip af noget. Men hvilke af dem er egentlig de bedste?
I midten af det 20. århundrede udviklede filmkunsten sig gennem forfinelsen af den kommercielle studiestil. Samtidig tog progressive eksperimenter, som elektronisk musik og udbredt brug af Technicolor og widescreen panorama, mediet til det næste niveau. Mens alt dette skete, blev filmstjernerne mere og mere vant til at være den eneste grund til, at publikum overhovedet gik i biografen.
Biografens arena blev også udvidet i løbet af 1950’erne. Mens amerikansk producerede Hollywood-film nød kulturel og kommerciel dominans, begyndte film fra andre dele af verden – Japan, Sverige, Italien, Frankrig og andre steder – at komme ind i samtalen.
Selvom det fremherskende billede af 1950’erne måske er af sunde amerikanske værdier, var de bedste film, der kom ud af disse år, alt andet end det. Midt i kommunistiske heksejagter, begyndelsen på den kolde krig og de grusomheder, der blev begået og udholdt under Anden Verdenskrig, er de bedste film fra 1950’erne gennemsyret af paranoia, psykologisk besættelse og tåbeligt mod mod uoverstigelige odds. Men der blev også sunget og danset.
For at bevise, hvor atmosfærisk mangfoldig 1950’erne faktisk var, er her 32 af årtiets bedste film.
32. De ti bud (1956)
(Billedkredit: Paramount)
Cecil B. DeMilles sidste film er uden tvivl hans mesterværk, en Hollywood-blockbuster af bogstaveligt talt bibelske proportioner. Baseret på flere kildetekster, herunder Doroth Clarke Wilsons Prince of Egypt, J. H. Ingrahams Pillar of Fire, for ikke at nævne Bibelen, følger The Ten Commandments Moses (Chartlon Heston) fra hans fødsel og adoption i Egypten til hans accept af Guds regler på toppen af Sinai-bjerget. The Ten Commandments er mere end bare en overdådigt designet episk biografi, den fortæller også om Moses’ rivaliserende søskendeforhold til Ramses II (Yul Brynner). Uanset hvad man tror på, kan man ikke benægte dens spektakulære majestæt. Selv nu er De ti bud stadig det, som alle megadyre Hollywood-blockbustere bør stræbe efter at efterligne.
31. Askepot (1950)
(Billedkredit: Disney)
Efter udgivelsen af Snehvide og de syv dværge i 1937 brugte Disney 40’erne på at opbygge magt og indflydelse som animationsstudie med kassesucceser som Pinocchio, Dumbo og Bambi. I 1950 startede Disney årtiet med Askepot, en betagende musikalsk fantasi om et overanstrengt forældreløst barn, der bliver til en balkjole, instrueret af Wilfred Jackson, Hamilton Luske og Clyde Geronimi. Askepot er uden tvivl forløberen for alt, hvad der definerer Disney og deres specifikke stil inden for myteskabelse, og den står stærkt i sin universelle historie om magi, ægte kærlighed og at have den rigtige størrelse fødder. Når man ser den nu, kan man ikke lade være med at synge “Bibiddi-Bobbidi-Boo!”
30. Den forbudte planet (1956)
(Billedkredit: MGM)
“Man kan ikke se gorgonens ansigt og leve!” Før Star Wars for altid ændrede sproget i filmisk sci-fi, var der Forbidden Planet. Instrueret af Fred M. Wilcox og med Walter Pidgeon, Anne Francis og Leslie Nielsen i hovedrollerne er Forbidden Planet både en herlig pastiche over klassisk pulp-sci-fi og en sand innovator, fra dens banebrydende fuldt elektroniske musik til introduktionen af begreber som menneskeskabt hurtigere-enn-lys-rejse. (Dens fremtrædende karakter, Robby the Robot, er også en Hollywood-legende i sin egen ret). Historien handler om en militær krydser, der sendes ud for at undersøge, hvor forsvundne kolonister befinder sig, en præmis, der er blevet gentaget af så mange andre i genren i de mange årtier siden.
Forbidden Planet £ 7,99 hos Amazon £ 21,36 hos Amazon
29. Det syvende segl (1957)
(Billedkredit: SF Studios)
Siden udgivelsen i 1957 har Ingmar Bergmans Det syvende segl været instruktørens største film nogensinde og den, der var ansvarlig for at cementere Sveriges plads på verdens filmarena. Filmen er en historisk fantasi, der foregår under den sorte død, og den følger en ædel ridder (Max von Sydow), som spiller skak mod den hætteklædte, uhyggelige Død (Bengt Ekerot). Omkring dem er der et ensemble af karakterer, som agerer i moralistiske tableauer, der føles som prædikener. I en tid præget af rædsler som Holocaust og atombomber definerer Bergmans film helt sin tid, men føles stadig tidløs i sin trøstesløshed og melankoli.
28. Sunset Boulevard (1950)
(Billedkredit: Paramount)
Hollywood er vanvittigt forelsket i historier om sig selv, selv de beskidte af slagsen. I 1950 befandt filmindustrien sig i en ny tidsalder, hvor “talkies” var normen, og filmstjernerne begyndte at få mere magt og kulturel indflydelse. Ind kom: Sunset Boulevard af Billy Wilder. Gloria Swanson spiller hovedrollen som Norma Desmond, en forhenværende stumfilmstjerne, der forsøger at gøre comeback med hjælp fra den kæmpende manuskriptforfatter Joe (William Holden). Sunset Boulevard er en dyster advarsel om berømmelsens giftighed og flygtige natur og er rystende som et stykke mørk Hollywood-selvrefleksion. Den egner sig godt til en double-bill med film som Mulholland Drive, Birdman, Map to the Stars, Once Upon a Time in Hollywood og Babylon.
27. Les Diaboliques (1955)
(Billedkredit: CinÉdis)
I denne fransksprogede psykologiske horror-thriller af instruktøren Henri-Geoorges Clouzot samarbejder konen og elskerinden til en grusom skoleinspektør om at slå ham ihjel, kun for at blive hjemsøgt af deres handlinger, da hans lig forsvinder. Les Diaboliques (udgivet som Diabolique i USA) opfandt ikke nødvendigvis gysergenren, men dens indflydelse taler for sig selv; Psycho-forfatteren Robert Bloch citerede denne film som en favorit i et interview i 1983. Les Diaboliques er fyldt med spænding og paranoia og må anerkendes som et mordmysterium, der gennemføres fejlfrit uden så meget som en dråbe blod.
26. Roman Holiday (1953)
(Billedkredit: Paramount)
Audrey Hepburn og Gregory Peck blænder sammen i William Wylers luftige, men bittersøde romantiske komedie. I Roman Holiday spiller Hepburn en europæisk prinsesse, der vandrer rundt i Rom og finder sig selv i selskab med en charmerende amerikansk journalist (Peck). Sammen nyder de to en uventet romantisk tur gennem den gamle by og tillader sig selv at svælge i kortvarig ekstase, før de genoptager deres individuelle liv. I filmen siger en tårevædet Hepburn: “Jeg ved ikke, hvordan jeg skal sige farvel.” Roman Holidays vedholdende appel alle disse år senere viser, at publikum heller ikke ved det.
25. Shane (1953)
(Billedkredit: Paramount)
Før superheltene herskede over filmene, var der cowboyerne og revolvermændene i westernfilmene. Genren nåede sit højdepunkt i 1950’erne, hvor én film ragede op over dem alle: Shane, et storslået instrueret panoramaepos af George Stevens. Baseret på en bog af Jack Schaefer fortæller Shane om en dygtig revolvermand (Alan Ladd), der desperat ønsker at lægge sin voldelige fortid bag sig. Efter at have slået rødder hos en bondefamilie i Wyoming, tvinges Shane ud af “pensionisttilværelsen” for at kæmpe mod rovgriske skurke og hensynsløse baroner. Til sidst rider Shane ind i solnedgangen, mens et barn råber, at han skal “komme tilbage”, hvilket utilsigtet foregriber westernfilmens forestående forsvinden som vores ideelle repræsentation af heltemod.
24. Nogle kan lide det varmt (1959)
(Billedkredit: United Artists)
En af Marilyn Monroes største film var også en af hendes sidste. I Billy Wilders screwball-krimikomedie Some Like It Hot spiller Tony Curtis og Jack Lemmon jazzmusikere fra forbudstiden, som flygter fra Chicagos gangstere ved at forklæde sig som damer og slutte sig til et omrejsende kvindeband på vej til Miami. De to ender med at falde for bandets sangerinde og ukulele-spiller, Sugar (Monroe), og begynder at konkurrere om hendes kærlighed, mens de bevarer deres falske identiteter. Selv om “ingen er perfekt”, er Some Like It Hot stadig en perfekt komedie.
23. Singin’ in the Rain (1952)
(Billedkredit: MGM)
Singin’ in the Rain er instrueret og koreograferet af Gene Kelly og Stanley Donen og er langt mere end dens evige billeder af åbne paraplyer, gule regnfrakker og Debbie Reynolds, der danser sig til hæder og ære. Filmen foregår i 1927, og stumfilmtiden er ved at være forbi, da filmstjernen Don Lockwood (Kelly), hans klaverspillende bedste ven Cosmo (Donald O’Connor) og den håbefulde skuespillerinde Kathy Selden (Reynolds) arbejder sammen om et nyt projekt, der skal udnytte den spændende nye teknologi med synkroniseret lyd til levende billeder. Singin’ in the Rain er morsom og farverig og nyder den mere solrige side af Hollywoods evigt fremadrettede udvikling, der så ofte knuser drømme.
22. Gojira (1954)
(Billedkredit: Toho)
Over ti år efter at Japan blev udsat for det atombombardement, der afsluttede Anden Verdenskrig, dukkede et uhelligt monster op af havet for at minde menneskeheden om dens forestående udslettelse. Den vestlige verden kender den som Godzilla, og den oprindelige japanske inkarnation Gojira af Ishiro Honda er et tårnhøjt mesterværk af monsterhorror, hvor menneskets og dyrets grusomheder er umulige at skelne fra hinanden. Mens “Godzilla” siden er blevet en tegneseriehelt på begge sider af Stillehavet, har remakes og reboots op gennem det 21. århundrede forsøgt at genskabe Big G’s oprindelige nuancer som et Lovecraft-agtigt mareridt. Nogle har haft succes. Men når de fejler, er der stadig Gojira.
21. Den stille mand (1952)
(Billedkredit: Republic Pictures)
Selvom John Wayne var bedst kendt som en helt i Hollywoods westerns, giver instruktøren John Ford publikum en anden smag af ikonet i sin frodige romantiske komedie The Quiet Man, baseret på en Saturday Evening Post-novelle. John Wayne spiller Trooper Thorn, en irskfødt amerikansk bokser, der vil købe sin families gamle gård, da han forelsker sig i den fyrige lokale Mary Kate (Maureen O’Hara) på landet i Irland i 1920’erne. Fords film er filmet i levende Technicolor og føles virkelig levende i sine betagende øjebliksbilleder af det landlige Irland, for ikke at nævne O’Haras smukke røde hår, der springer i øjnene mod de mange grønne områder. Selvom dens skildring af kønsroller føles vildt forældet, kan man ikke lade være med at sole sig i det landskab, som Ford indfanger.
20. Oprør uden grund (1955)
(Billedkredit: Warner Bros.)
Den udødelige hjerteknuser er uden tvivl den definitive James Dean-film og brillerer i Nicholas Rays fantastiske coming-of-age-drama, der afslører den grimhed, der bobler i USA’s efterkrigstids teenagere. Filmen foregår i nutidens Los Angeles, og Dean spiller hovedrollen som Jim Stark, en plaget teenager, der er fanget mellem sine skænderiske forældre. Han indleder en usikker romance med en anden pige fra high school, Judy (Natalie Wood), som også har problemer derhjemme og omgås de hårde drenge. James Dean døde i en bilulykke i september 1955 i en alder af 24 år; Rebel Without a Cause blev udgivet posthumt blot et par uger efter hans død. Men filmens uigenkaldelige virkning har cementeret Deans status for eftertiden og sikret, at alle generationer kan se et stykke af sig selv i James Deans sympatiske øjne.
19. Natten og byen (1950)
(Billedkredit: 20th Century Studios)
Filmskaberen Jules Dassin frygtede sin egen sortlistning under McCarthyismen og flygtede til London for at lave en film, der var gennemsyret af mistænksomhed, fortvivlelse og mistillid. I Night and the City spiller Richard Widmark Harry Fabian, en selvdestruktiv amerikansk svindler, der kommer ind på livet af Londons professionelle wrestling-kredsløb. Selvom den ofte overses i forhold til andre noir-klassikere, rammer Night and the City som en body slam som en snusket thriller, der er indbegrebet af britisk pulp fiction, hvor baggyder og barlokaler vrimler med amoralske karakterer, der kun er loyale over for sig selv. Selvom der findes to forskellige versioner af filmen med forskellige slutninger – en til det britiske publikum, en anden til det amerikanske – insisterer Dassin på, at den kyniske amerikanske udgave er tættere på hans vision.
18. Tokyo Story (1953)
(Billedkredit: Shochiku)
Akira Kurosawa blev i 1950’erne en af Japans mest berømte forfattere. Men blandt hans største samtidige var Yasujiro Ozu, hvis modernistiske, minimalistiske stil står i stærk kontrast til Kurosawas fejende operaer. I 1953 stod Ozu i spidsen for det, der bredt betragtes som et af hans mesterværker: Tokyo Story, om et pensioneret par, der rejser til Tokyo for at besøge deres fire levende voksne børn. Ozus film, som holder et langsomt tempo og et kamera, der næsten aldrig bevæger sig, udforsker den vestlige verdens umiddelbare indflydelse på Japan i årene efter Anden Verdenskrig og forældres universelle fremmedgørelse fra deres voksende afkom. Selvom det ikke er en komedie, afslører dens blide humor den strålende skønhed, der findes i den lavere middelklasses hverdagsliv.
17. Draculas rædsler (1958)
(Billedkredit: Universal)
Flere år efter at Universals monstre trak sig tilbage i skyggerne, indledte det britiske studie Hammer sin egen æra med Dracula (kendt i USA som Horror of Dracula) med Sir Christopher Lee som den ikoniske vampyr. I modsætning til Bela Lugosis ikoniske, men karikerede præstation som den transsylvanske greve, er Lee en flottere udgave, der fremhæver vampyrernes iboende erotik og deres tilbøjelighed til at bide i halsen og dræne blod. (I øvrigt introducerede Lees version også dobbelte hjørnetænder, som Lugosi ikke havde i sin film fra 1931). Lee spillede Dracula i mange flere film bagefter, men hans debut fra 1958 er stadig den bedste.
16. Herfra til evigheden (1953)
(Billedkredit: Columbia)
I Fred Zinnemanns romantiske og dystre epos fra 1953 møder amerikanske soldater udstationeret på Hawaii deres skæbne i dagene op til angrebene på Pearl Harbour. Mens det stjernespækkede cast inkluderer Frank Sinatra, Burt Lancaster, Deborah Kerr og Donna Reed, er det Montgomery Clift, der forankrer filmen som menig Robert E. Lee “Prew” Prewitt, en dedikeret soldat og talentfuld hornblæser, der nægter at underholde sin kaptajns ønsker om at få ham til at vinde mesterskaber i boksning. Alle de tilstedeværende, som alle er ikoner fra den sidste del af Hollywoods guldalder, er i topform som dødsdømte mennesker på vej til et tidspunkt, hvor deres liv ændrer sig for evigt. Montgomery Clift var berømt for sin modstand mod at spille mange roller, men From Here to Eternity er helt klart blandt hans bedste.
15. Blodets trone (1957)
(Billedkredit: Toho)
Akira Kurosawas fængslende genfortælling af Shakespeares Macbeth har den uudslettelige Toshiro Mifune i hovedrollen som en samurai, der svarer til Macbeth, og som af en ond skovånd lærer om sin forestående fremtid som slotsherre. Throne of Blood er en kulturel fusion af Shakespeare-motiver og japansk Noh-teater, og den er fortryllende som et tågefyldt mareridt, hvor magten kommer let, men styrken til at holde fast i den har store omkostninger. Throne of Blood er dels en politisk thriller, dels en horror-fantasy, og den er alt sammen ærefrygtindgydende og fortjener udødelighed i en haglstorm af pile.
14. 12 vrede mænd (1954)
(Billedkredit: United Artists)
Næsten hver generation får sin version af 12 Angry Men. Men i 1957 bragte instruktør Sidney Lumet en uforglemmelig produktion til lærredet med en rollebesætning, der omfattede Martin Balsam, John Fielder, Lee J. Cobb, Jack Klugman, Henry Fonda og mange flere. Baseret på Reginald Roses skuespil fra 1954 simrer 12 Angry Men i uenighederne blandt en jury, der febrilsk overvejer domfældelse eller frifindelse af en teenager, der er anklaget for mord. Stort set alle efterfølgende retssalsdramaer har taget udgangspunkt i 12 Angry Men, som samler alt sit drama i et enkelt nævningelokale, men aldrig på noget tidspunkt føles indespærret.
13. Ben-Hur (1959)
(Billedkredit: MGM)
De ti bud var ikke den eneste religiøse blockbuster i 1950’erne. I 1959 spillede Charlton Heston hovedrollen i William Wylers prisbelønnede epos af umådelige dimensioner. Bogstaveligt talt hundredvis af håndværkere arbejdede bag kulisserne, herunder 100 kostumefabrikanter, 200 kunstnere, 10.000 statister plus omkring 200 kameler og 2.500 heste, som alle var nødvendige for at presse det dengang nye widescreen-format til det yderste. Men der, hvor Ben-Hur på uforklarlig vis lykkes, er, at den stadig fortæller den fokuserede historie om Judah Ben-Hur, helten i Lew Wallaces roman fra 1880 om en jødisk prins, der bliver gjort til slave af romerne og senere møder den eneste ene, Jesus Kristus. Selv nutidens megadyre franchise-efterfølgere kommer ikke i nærheden af at røre ved Ben-Hurs rene majestæt.
12. En sporvogn til begær (1951)
(Billedkredit: Warner Bros.)
Elia Kazans filmatisering er baseret på Tennesee Williams’ Pulitzer-vindende skuespil, der dramatiserer giftige forhold, og har Vivien Leigh, Kim Hunter og selvfølgelig Marlon Brando i hovedrollerne. Sydstatsskønheden Blanche (Vivian Leigh) rejser fra Mississippi for at bo sammen med sin søster i en faldefærdig lejlighed i New Orleans. Selvom det hjælper, at materialet, den er baseret på, i sig selv er en æret klassiker, som de bedste skuespillere kan sætte tænderne i, er Kazans filmversion et sandt kraftværk i den måde, den fanger nogle af de største skuespillere, Hollywood nogensinde har set, når de er allerbedst.
11. Ærens veje (1957)
(Billedkredit: United Artists)
Når man taler om Stanley Kubrick, bliver hans krigsfilm Paths to Glory fra 1957 ofte overset; hans andre mesterværker som 2001: A Space Odyssey, A Clockwork Orange, The Shining, Full Metal Jacket og Eyes Wide Shut dominerer normalt folks opmærksomhed. Men Kubrick udstillede sine usædvanlige, men skarpe evner som visuel mester i sin fjerde film. Paths of Glory foregår under Første Verdenskrig i Frankrig og har Kirk Douglas i hovedrollen som en kommanderende officer, der nægter at gå videre med det, der i bund og grund er et selvmordsangreb, og som efterfølgende udfordrer anklagen om fejhed i en krigsret. Kubrick var kun 29 år gammel, da han instruerede Paths of Glory, og rygtet om hans upåklagelige instruktion fulgte ham i årevis, selv efter hans død i 1999.
10. Hiroshima mon amour (1959)
(Billedkredit: Rialto Pictures)
Hvis en erotisk drøm kunne være en film, ville den se ud som Hiroshima mon amour. I denne co-produktion mellem Frankrig og Japan kaster instruktøren Alain Resnais pludselig publikum ind i intimiteten mellem en japansk mand (Eiji Okada) og en fransk kvinde (Emmanuelle Riva), hvor deres kroppe er dækket af både sved og aske. Filmen udfolder sig på en ikke-lineær måde og fortæller om disse to fremmedes korte romance i efterkrigstidens Japan, der er hjemsøgt af atomødelæggelser. Denne umulige kærlighedshistorie og meditation over internationale traumer var med til at katapultere den franske nybølge til et verdensomspændende publikum.
9. Krigen om verdenerne (1953)
(Billedkredit: Paramount)
Byron Haskins filmversion fra 1953 er baseret på H.G. Wells’ roman fra 1898 og ser det moderne Sydcalifornien som grænsen for en invasion af marsboere. Med Orson Welles’ legendariske radioudsendelse, som publikum stadig tænkte på, da den udkom, udnytter War of the Worlds biografen som et visuelt medie med den bemærkelsesværdige kontrast mellem den amerikanske hærs primitive artilleri og Mars’ elegante, overjordiske teknologi. Innovativ som en special effects-fest, men udødelig som en rystende fortælling, der advarer om, at mennesker aldrig kan være for sikre som den mest intelligente art.
8. High Noon (1952)
(Billedkredit: United Artists)
Westernklassikeren High Noon, der er instrueret af Fred Zinneman, foregår i realtid og følger en sherif (Gary Cooper), der er fanget mellem at konfrontere en bande skurke alene eller flygte med sin kone (Grace Kelly). Med sin stærke destillation af westernheltemod ned til en enkelt mand mod en ond horde, hjalp High Noon med at genopfinde og revitalisere westerns i mange år fremover. Det bør ikke overraske nogen, at flere amerikanske præsidenter har udtrykt beundring for High Noon, herunder Dwight Eisenhower, Ronald Reagan og Bill Clinton.
7. On the Waterfront (1954)
(Billedkredit: Columbia)
Inspireret af en række Pulitzer-vindende artikler af Malcolm Johnson for New York Sun, genforener On the Waterfront instruktøren Eliza Kazan med Marlon Brando i et brændende drama om kriminalitet og korruption på havnefronten i Hoboken, New Jersey. Brando spiller Terry Malloy, en tidligere bokser, som med fuldt overlæg har arrangeret et slagsmål på opfordring af en mafiaboss. Terry arbejder nu som havnearbejder og bliver forfærdet, da han bliver tvunget til tavshed efter at have overværet mordet på en kollega. On the Waterfront er en af mange film fra de tidlige 50’ere, der brugte sin historiefortælling til at fordømme McCarthyismen, men dens historie giver genlyd ud over disse tider som et portræt af hjælpeløshed over for overvældende odds.
6. De syv samuraier (1954)
(Billedkredit: Toho)
Akira Kurosawas episke klassiker om samuraier, der forener sig for at forsvare en sårbar landsby, inspirerer og begejstrer selv efter alle disse år. Med et ensemble af skuespillere anført af Takashi Shimura, Yoshio Inaba, Daisuke Kato, Seiji Miyaguchi og Toshiro Mifune skabte Kurosawas fortælling sin egen undergenre af bølleagtige mænd, der slår sig sammen for en ædel sag frem for egoistiske formål. Der har ikke kun været direkte genindspilninger, som The Magnificent Seven fra 1960 (som genopfandt filmen som en cowboy-western), men også åndelige hyldester i film som The Dirty Dozen, Saving Private Ryan, The Expendables, The Avengers, Justice League og hele Star Wars-franchisen.
5. North by Northwest (1959)
(Billedkredit: MGM)
Alfred Hitchcock sluttede 1950’erne af med sin spionthriller North by Northwest, en varig kæmpe af en film. Med Cary Grant og Eva Marie Saint i hovedrollerne følger filmen en uskyldig mand (Cary Grant), der løber for livet tværs over USA fra mystiske agenter, der tror, at han smugler regeringshemmeligheder. I 1959 var Hitchcock allerede en berømt kunstner, men med North by Northwest cementerede han sin genialitet i en film, der på én gang var spændende og legende.
4. Rear Window (1954)
(Billedkredit: Paramount)
I dette gribende storbymysterium mistænker en fotograf, der er ved at komme sig over et brækket ben (James Stewart), at hans nabo på den anden side af gaden måske har myrdet nogen. Med hjælp fra sin rastløse veninde (Grace Kelly) og sin sygeplejerske (Thelma Ritter) søger Stewarts karakter Jeff retfærdighed uden at miste forstanden. Selv i moderne tid, hvor vores sociale feeds gør fuld brug af POV-film, og vores smartphone-kameraer har gjort os alle til amatørfotografer, viser Hitchcocks film den dramatiske kraft i et begrænset perspektiv.
3. Umberto D. (1952)
(Billedkredit: Rialto Pictures)
I denne neorealistiske klassiker fra den italienske filmskaber Vittorio De Sica gør en fattig ældre mand i Rom alt, hvad han kan, for at overleve sammen med sin hund. Filmen var upopulær i den italienske offentlighed, da den udkom, da Italien som helhed var midt i efterkrigstidens opsving, og en skrøbelig mand, der tigger på gaden, var ikke flatterende for landets image. Men publikum overalt er vokset til at beundre Umberto D. som en hjerteskærende historie, hvor venlighed er blevet udhulet af moderniteten. Umberto D. er en iskold klassiker i verdensfilmen og har meget lidt at byde på, men så meget at give.
2. Kys mig dødbringende (1955)
(Billedkredit: United Artists)
Hvis nogen skulle tro, at 1950’erne var tilknappede, velopdragne og fulde af sunde værdier, så se mørket i Kiss Me Deadly. Robert Aldrichs filmatisering af Mickey Sillanes roman fortæller om detektiven Mike Hammer (Ralph Meeker), der samler en blaffende kvinde (Maxine Cooper) op og indleder en forfærdelig, uforglemmelig nat. Kiss Me Deadly er blevet hyldet som en forløber for den franske nybølge og forstået som en metafor for den kolde krig, og den har påvirket de mest ærede filmgiganter, herunder Francois Truffaut, Jean-Luc Godard og Quentin Tarantino. Det er simpelthen et tårnhøjt værk.
1. Vertigo
(Billedkredit: Paramount)
Alfred Hitchocks psykologiske thriller Vertigo, der udkom i 1958, er jævnligt placeret på adskillige best-of-lister; i 2012 vippede den Citizen Kane af den eftertragtede førsteplads i The Sight & Sound Greatest Films of All Time. Det er med god grund, at den hyldes som sådan. James Stewart spiller hovedrollen som John “Scottie” Ferguson, en pensioneret kriminalbetjent, der opgav sit skilt efter at være blevet ramt af akrofobi – højdeskræk. Men da Scottie bliver hyret af en bekendt til at følge efter deres kone, Madeleine (Kim Novak), må Scottie konfrontere sin frygt. Med sin optagethed af psykologisk besættelse deler Vertigo med nød og næppe forskellen mellem oprørsk underholdning og cerebral arthouse-stil, og nogle gange udviskes de to på måder, som kun Alfred Hitchcock nogensinde vidste, hvordan man gør. Selv om du ikke synes, at det er “den bedste film nogensinde”, er det uden tvivl en af de bedste i sit årti.