De 32 bedste film fra 60’erne

Uanset hvordan du tror, 1960’erne var eller så ud, kan du godt tro om igen. Det tumultariske årti har mange facetter på alle mulige måder, også i film. Men hvilke film fra 1960’erne er egentlig de bedste?

I et årti præget af skiftende samfundsnormer, for ikke at nævne borgerrettighedsbevægelsen og det politiske morads, som Vietnam var, afspejlede film fra 1960’erne på samme måde et globalt samfund i forandring. Avantgarde udenlandsk import fra Japan, Italien, Frankrig og andre steder tog opmærksomheden væk fra afprøvede og sande amerikanske stilarter. Samtidig så filmskaberne deres håndværk blive udfordret af et nyt, billigere underholdningsalternativ: fjernsynet. Men i stedet for at tilbyde et højere niveau af spektakel, end tv’s små budgetter kunne matche, forsøgte årtiets film at udfordre publikum med mere undergravende historier, der flyttede grænserne for det acceptable.

Ligesom 1950’erne forudså 1960’erne den nære fremtids moralske tvetydigheder. Da den snæversynede Hays-kode mistede sit skruestikgreb, gav den pludselige eksplosion af New Hollywood – der allerede var udelukket af den franske nybølge – filmskaberne mere kreativt forfatterskab, så de i deres film kunne afspejle en hip modkultur, der gennemsyrede byer, kommuner og universitetscampusser overalt.

Med så mange klassiske film at nævne, er her blot 32 af de bedste film fra 1960’erne.

32. Batman (1966) #

(Billedkredit: Warner Bros.)

Hellige biograf, Batman! Filmen Batman fra 1966 (instrueret af Leslie H. Martinson) blev oprindeligt skabt af produceren William Dozier for at promovere tv-serien, men repræsenterer nu camp art i al sin ekstravagante herlighed. Med Adam West i den rolle, der gjorde ham berømt, kæmper den kappeklædte korsfarer mod Gotham Citys mest forbryderiske skurke, der har slået sig sammen som United Underworld. Selvom det på ingen måde er den bedste superheltefilm, der nogensinde er lavet, gør dens opsummering af den berømte tv-serie – alt sammen blæst op til det store lærred – Batman til en af de mest farverige, mest skandaløse og faktisk sjoveste kommercielle film i et udfordrende årti. Der er i sandhed nogle dage, hvor man bare ikke kan slippe af med en bombe.

31. Barbarella (1968) #

(Billedkredit: Paramount Pictures)

Jane Fonda spiller hovedrollen i en sci-fi-perle i B-klassen, hvis appel er, at Jane Fonda er en totalt lækkerbisken i rummet. (Og Barbarella er så virkelig seværdig på grund af Fondas iver efter at gøre hvad som helst). Filmen er baseret på den franske tegneserie og følger Barbarella (Fonda), en rumrejsende, der bliver sendt ud for at finde en videnskabsmand med et våben, der kan udslette menneskeheden. Efter at stjerner som Brigitte Bardot og Sophia Loren havde takket nej til rollen, tøvede Fonda på grund af dens seksualiserede karakter; på det tidspunkt var Fonda i centrum for to nøgenskandaler, der involverede filmene Circle of Love og The Game Is Over. Men Fonda var solgt, da instruktøren Roger Vadim fortalte hende, at sci-fi snart vil være en prestigefyldt genre. Med Star Wars stadig ni år væk havde Vadim ret, selv om Barbarella ikke er en lige så stor franchise i dag.

30. Paraplyerne fra Cherbourg (1964) #

(Billedkredit: 20th Century Studios)

I Jacques Demys uforglemmelige romantiske sung-through musical er et ungt fransk par ivrige efter at starte for evigt, indtil de bliver revet fra hinanden af Algeriet-krigen. Da de uundgåeligt genforenes, afslører de iskolde temperaturer en engang så varm lidenskab, der er blevet kold. Catherine Deneuve og Nino Castelnuovo spiller sammen som et fortryllende par på skærmen, der repræsenterer den universelle spænding ved at være ung og forelsket, tragedien ved at finde kærligheden for tidligt og den bitre accept af, at livet ikke altid vil gå, som man planlægger. Af de film, der udgør Demys romantiske trilogi – inklusive Lola (1961) og The Young Girls of Rochefort (1967) – står The Umbrellas of Cherbourg højest som en film, der er mest tro mod den unge kærligheds bittersøde efemere.

29. Onibaba (1964) #

(Billedkredit: Toho)

Det er en film, der er så skræmmende, at den skræmte selv William Friedkin, instruktøren af Eksorcisten. Onibaba er en genfortælling af en buddhistisk lignelse, der involverer en forbandet maske, som straffer dem, der bærer den, og følger to kvinder, der lokker omrejsende samuraier til at dræbe dem og sælge deres våben for penge. Da en mand kommer imellem dem, hvirvler gamle følelser som misundelse og raseri op som vindene i en mørk, uhellig storm. Det er en makaber film med en overjordisk energi, og denne detaljerede metafor for Japans efterladte traumer fra atombomberne får ekstra betydning, når man ved, at forfatteren/instruktøren Kaneto Shindō var fra Hiroshima. Onibaba var en af Shindōs mange film, der tog livtag med rædslerne ved atomar udslettelse og hans egen personlige virkelighed, hvor han så sit hjem blive jævnet med jorden og de overlevende efterladt med uoprettelige sår.

28. Easy Rider (1969) #

(Billedkredit: Columbia Pictures)

Den amerikanske nybølge begyndte for fuld udblæsning med Easy Rider, en moderne western, hvis der nogensinde har været en. Easy Rider er instrueret af Dennis Hopper og skrevet af Hopper sammen med Peter Fonda og Terry Southern og følger to motorcyklister (spillet af Hopper og Fonda), der kører fra de amerikanske sydstater og vover sig vestpå med penge tjent på en lukrativ kokainhandel. Easy Rider er et skelsættende modkulturelt epos, som egenhændigt formede vores kollektive ordforråd for den åbne landevej som den sidste grænse for eventyr og det eneste sted på jorden, hvor man kan finde en følelse af identitet og frihed.

27. Lejligheden (1960) #

(Billedkredit: United Artists)

Hvis bare vægge kunne tale. I Billy Wilders romantiske komedie The Apartment fra 1960 spiller Jack Lemmon en ambitiøs forsikringsansat, som i håbet om at stige i graderne på sin arbejdsplads tillader sine ældre kolleger at bruge hans lejlighed på Upper West Side til deres udenomsægteskabelige affærer. Tingene bliver komplicerede, da Lemmons Bud forelsker sig i Fran (Shirley MacLaine), som har en affære med Buds egen chef. The Apartment er løst inspireret af den britiske film Brief Encounter fra 1945 og en Hollywood-skandale fra det virkelige liv, der involverede en producers affære, som fandt sted i deres ansattes lejlighed, og er en herlig komedie om aldrig at være for tæt på handlingen.

26. At dræbe en sangfugl (1962) #

(Billedkredit: Universal Pictures)

Harper Lees banebrydende roman fra 1960 om en principfast advokat, der forsvarer en uskyldig sort mand anklaget for seksuelt overgreb, blev mesterligt filmatiseret to år senere af instruktøren Robert Mulligan. Med Gregory Peck i hovedrollen som Atticus Finch og Mary Badham som hans unge datter Scout – hvis perspektiv udgør historiens primære synsvinkel – er Mulligans filmversion blevet anerkendt som en amerikansk klassiker i sin egen ret, da den er et ømt og rørende studie af at vokse op i et miljø med fordomme. Gennem Finchs uforglemmelige forsvarsmonolog (hvor Mulligans kamera klogt nok tager juryens perspektiv) har To Kill a Mockingbird givet utallige generationer en instruktion i at stå op for det, der er rigtigt, selv når retfærdighed er en mangelvare.

25. De levende dødes nat (1968) #

(Billedkredit: Criterion)

Før The Walking Dead var der George Romeros Night of the Living Dead, som ikke kun introducerede zombier i den amerikanske popkulturs leksikon, men uden tvivl også gjorde genren bedst. Filmen foregår på landet i Pennsylvania, hvor syv overlevende slår sig ned i et bondehus, da horder af kødædende lig pludselig er kommet til live overalt. Ikke alene skrev Night of the Living Dead drejebogen for alle zombie-horrorhistorier, men castingen af den sorte skuespiller Duane Jones (som hovedrolleindehaveren Ben) var både revolutionerende og politisk og gjorde for altid zombier til en dynamisk og flydende metafor for, hvad mennesket anser for at være monstrøst i den hjerteskærende twist-slutning.

24. Abernes planet (1968) #

(Billedkredit: 20th Century Studios)

Franklin J. Schaffners filmversion Planet of the Apes er løst baseret på Pierre Bulles roman fra 1963 og har Charlton Heston i hovedrollen som en astronaut, der lander på en fremmed planet, hvor menneskeheden er primitiv, og talende aber har overtaget dominansen som den mest intelligente art. Mens Abernes planet skabte en franchise, er Schaffners original et tårnhøjt stykke science fiction, der både er teknisk spektakulært og åndeligt forvarslende. Alle disse år senere rammer Planet of the Apes stadig hårdt som en stærk advarsel mod menneskehedens arrogante syn på sin plads i fødekæden.

23. Den manchuriske kandidat (1962) #

(Billedkredit: United Artists)

Baseret på Richard Condons roman er denne mørke psykologiske thriller af John Frankenheimer en af den kolde krigs definerende film, der udnyttede tidens udbredte paranoia over fjender, der lurede indefra. Filmen udkom kun et år før mordet på JFK og følger en veteran fra Koreakrigen, Raymond Shaw (Laurence Harvey), som ubevidst bliver hjernevasket af kommunister og sendt tilbage til USA for at dræbe en præsidentkandidat. Med Frank Sinatra, Janet Leigh og Angela Lansbury i hovedrollerne satte denne formative spionthrillers rigelige politiske spil og konspirationer permanent standarden for alle efterfølgende spionthrillere. Dens nyskabelser inden for genren ses stadig i moderne film af samme slags, lige fra The Bourne Identity til Captain America: The Winter Soldier. En lige så formidabel moderne genindspilning udkom i 2004 med Denzel Washington, Liev Schrieber og Meryl Streep som stjerner.

22. Barfodet i parken (1967) #

(Billedkredit: Paramount Pictures)

Jane Fonda og Robert Redford har aldrig været sjovere eller lækrere end som et nygift par, der kommer ned fra deres bryllupsrejse for at håndtere virkelighedens sans for humor. Efter at være flyttet ind i en femetagers lejlighed på Manhattan lærer den frisindede Corie (en delirisk Fonda) og den noget mere anspændte Paul (Redford, som har en skarp komisk timing), hvad det egentlig vil sige at have og at holde, når deres første måneder sammen ikke er, som nogen af dem havde forestillet sig. Selvom plottet er let som en fjer, holder filmen – baseret på Neil Simons skuespil og instrueret af Gene Saks – takket være den strålende karisma fra dens smukke skuespillere.

21. Mary Poppins (1964) #

(Billedkredit: Disney)

Et af Disneys største hits dukkede op i 1960’erne med Julie Andrews og Dick Van Dyke, der dansede og sang om fordelene ved at leve et mere engageret familieliv. I det edwardianske London flyver en magisk kvinde ned fra himlen for at svare på Banks-børnenes kald på “den perfekte barnepige”. Hun er Mary Poppins (Andrews), et meget mystisk væsen, der er både blid og bestemt, og præcis den skefuld sukker, familien Banks har brug for for at blive hel igen. Teknisk blændende og sund i hjertet står Mary Poppins som en af Disneys mest ikoniske og succesfulde live action-film nogensinde, og med god grund. Hvad andet er der at sige end: “Supercalifragilisticexpialidocious!”

20. Tokyo Drifter (1966) #

(Billedkredit: Nikkatsu)

Seijun Suzukis hyldest til revolverwesterns kommer i form af hans utroligt stilfulde gangsterfilm Tokyo Drifter, som handler om en reformeret lejemorder ved navn Tetsu (Tesuya Watari), der fanges midt i rivaliserende banders forsøg på at konsolidere magten. Suzuki, der er kendt for sin excentriske visuelle stil, blev først tvunget af studiet til at nedtone sine følelser på skærmen; studiet gav ham et lille budget for at sikre, at Suzuki holdt sig inden for deres grænser. Som hævn hentede Suzuki inspiration fra 1950’ernes musicalfilm, absurde komedier og den nye popkunstscene for at skabe sin hidtil mest surrealistiske film. Denne filosofi om oprør som erklæring siver gennem Tokyo Drifters porer, og dens beherskede maksimalisme i rammerne skaber en oplevelse, hvor du ikke kan glemme, hvordan det føles, selv om du ikke kan finde ud af, hvad der foregår.

19. Butch Cassidy and the Sundance Kid (1969) #

(Billedkredit: 20th Century Studios)

Georgy Roy Hills westernklassiker, skrevet af William Goldman, har Paul Newman og Robert Redford i hovedrollerne som filmhistoriens sejeste og mest urørlige lovløse på deres desperate flugt til Bolivia. Overlever de? Svaret på det er mindre interessant end den rige, medrivende rejse, som Butch Cassidy (Newman) og Harry Longabaugh, også kendt som “Sundance Kid” (Redford), begiver sig ud på i løbet af filmen, hvor de er partnere i kriminalitet, hvis tætte bånd gør dem til skytshelgener for broderskab og bromance. Selvom Butch Cassidy and the Sundance Kid var upopulær, da den udkom, har den vundet respekt som en film, der vidner om, at den største belønning ikke er de rigdomme, man stikker af med, men de oplevelser, man kan samle sammen med dem, der betyder mest.

18. En hård dags nat (1964) #

(Billedkredit: United Artists)

Alle musikvideoer, rockstjernedokumentarer, koncertfilm og TikTok-reels står i gæld til A Hard Day’s Night. Richard Lesters film er et kalejdoskop af komedie og musik, fuld af hurtige klip og håndholdt hysteri, og fanger The Beatles på toppen af Beatlemania. Men i stedet for at være en overbærende, selvhøjtidelig dokumentarfilm om berømmelsens drama og træthed, ser A Hard Day’s Night Liverpool-rockerne lave ballade overalt, hvor de går – uden en eneste rigtig historie i sigte. A Hard Day’s Night er mindre Taylor Swift: The Eras Tour og mere fransk New Wave i sin fritløbende ondskab og opfindsomhed, lige fra at trolle interviewere med Marx Brothers-lignende rutiner til at undslippe skrigende fans, der bevæger sig som hvepsesværme.

17. Fuglene (1963) #

(Billedkredit: Universal Pictures)

Efter Alfred Hitchcock så vi aldrig fugleflokke på samme måde igen. I denne ikoniske gyserfilm fra 1963, som er baseret på en novelle af Daphne du Maurier fra 1952 og løst inspireret af et vildt massefugleangreb i byen Capitola i Californien to år tidligere, terroriserer aggressive fugle indbyggerne i en søvnig by. Selvom dræberkrager og duer kan lyde banale på papiret, leverer en suveræn filmskaber som Hitchcock en iskold gyserklassiker, hvor naturen stadig bevarer sin dominans uanset menneskehedens videnskabelige fremskridt. Med sin mesterlige brug af stilhed og tidlige special effects vil The Birds aldrig holde op med at tage flugten – og få os til at søge dækning.

16. The Graduate (1967) #

(Billedkredit: Embassy Pictures)

Mike Nichols’ romantiske drama, et tidligt uafhængigt filmhit, fangede på mesterlig vis den rastløse ånd i 60’ernes ungdom i sin historie om en universitetsuddannet (Dustin Hoffman), der indleder en affære med en ældre kvinde (Anne Bancroft), mens han falder for hendes datter Elaine (Katharine Ross). Det var en genistreg fra Nichols’ side at få den uforglemmelige slutning, hvor de to turtelduer langsomt indser det knusende omfang af deres handlinger. Ved simpelthen ikke at fortælle sine skuespillere, hvad de nu skal gøre, efter at de er steget på bussen, afspejler deres fysiske træthed den åndelige ambivalens. Da både Hoffman og Ross holder op med at smile i løbet af en forbløffende lang optagelse, afslører deres trættende udtryk deres karakterers usikkerhed på, om kærligheden er stærk nok til at vare ved.

15. Cool Hand Luke (1967) #

(Billedkredit: Warner Bros.)

Instruktøren Stuart Rosenbergs Cool Hand Luke er en af de mange ikoniske amerikanske film, der står for modkulturens trods under Vietnamkrigen, med Paul Newman i hovedrollen som en fange fra Florida, der nægter at lade sine lænker holde ham nede. Filmen er skrevet af Donn Pearce, hvis egen kriminelle baggrund og to år i kædebanderne i Florida Department of Corrections inspirerede både hans roman og filmen. Cool Hand Luke er inspirerende og rørende og er praktisk talt en instruktionsvideo i, hvordan man bevarer fatningen og overgår alle andre på et fjendtligt sted, der ønsker at se dig falde død om.

14. Den gode, den onde og den grusomme (1966) #

(Billedkredit: MGM)

Sergio Leone brugte 1960’erne på at definere italienskproducerede westerns med sin Dollars-trilogi, som følger de nomadiske bedrifter af Manden uden navn (Clint Eastwood). I den sidste film efter A Fistful of Dollars (1964) og For a Few Dollars More (1965) følger Leones film tre revolvermænd – spillet af Eastwood, Eli Wallach og Lee Van Cleef – der kæmper for at finde nedgravet sydstatsguld under den amerikanske borgerkrig. Selv om der er delte meninger om, hvilken af trilogierne der er den bedste, er The Good, the Bad and the Ugly simpelthen for episk til at ignorere og forbliver uden tvivl den mest emblematiske af alle spaghettiwesterns. Med sin mindeværdige cinematografi og operaagtige vold har actionfilmskabere brugt årtier på at lade sig inspirere af Leones evige mesterværk.

13. Rosemarys Baby (1968) #

(Billedkredit: Paramount Pictures)

Det er en kold trøst, at man aldrig ser babyens ansigt. I Roman Polanskis psykologiske gyserfilm spiller Mia Farrow en ung kone på Manhattan, som mistænker sine naboer for at være ude efter hende, så hun kan føde noget uhyggeligt. Polanskis film – som også har John Cassavetes, Ruth Gordon, Mauriece Evans og Charles Grodin i hans filmdebut på rollelisten – er en brændende og ultramørk thriller om en kvindes tab af handlekraft (sørgeligt ironisk, når det kommer fra Polanski), og hvordan det 20. århundredes samfunds march mod sekularisme kan blive menneskehedens undergang. Rosemary’s Baby var lige foran kurven, da hysteriet over sataniske kulter hurtigt ville indtage en dominerende plads i avisoverskrifterne op gennem 1970’erne og 1980’erne.

12. Lawrence af Arabien (1962) #

(Billedkredit: Columbia Pictures)

Kan et menneskes liv være så episk, at det bliver til en af de største eventyrfilm, der nogensinde er lavet? Den britiske arkæolog, officer og forfatter T.E. Lawrence levede tilsyneladende sådan et liv i det 20. århundrede, som blev til David Leans Lawrence of Arabia. Med Peter O’Toole i hovedrollen, som på det tidspunkt var en ukendt skuespiller, men som Lean kunne lide (fra hans film The Day They Robbed the Bank of England fra 1960), følger filmen Lawrence på tværs af det osmanniske rige under Første Verdenskrig. Selve filmen udforsker Lawrences vanskeligheder med at forlige sig med vold og hans splittede loyalitet mellem Storbritannien og hans nyfundne allierede i de arabiske styrker. Lawrence of Arabia er en spektakulær blockbuster i en tid, hvor der ikke blev lavet mange af dem, og den galopperer med en vildskab og en følelse af eventyr, som ikke vil blive set før Raiders of the Lost Ark næsten 20 år senere.

11. Højt og lavt (1963) #

(Billedkredit: Toho)

Akira Kurosawa er med god grund kendt som en instruktør af evige samurai-epos. Men selv når han zagger fra sine egne zigs, bevarer den berømte kunstner alle sine bedste træk, som hans teatralske formalitet og viljestærke karakterer, der støder sammen med undertrykkende kræfter. Her: High and Low, Kurosawas drivende, fint komponerede krimidrama fra 1963. Baseret på romanen King’s Ransom af Ed McBain får en velhavende direktør (Toshiro Mifune) at vide, at hans søn er kidnappet og tilbageholdes for løsepenge, hvilket sætter gang i et svedigt, fremadskridende plot, hvor tiden er altafgørende. Kurosawa skifter samurai-rustningen ud med skarpe skjorter og slips og tænker over Japans genopblomstring efter krigen. Omkring sig så instruktøren det japanske samfund udvikle sig hurtigt i retning af modernitet. Men på hvilken bekostning?

10. Fra Rusland med kærlighed (1963) #

(Billedkredit: United Artists)

Instruktøren Terence Young og skuespilleren Sean Connery genforenes i From Russia With Love, som er en James Bond-efterfølger, der overgår selv den vigtige forgænger Dr. No, denne gang for at fortælle historien om Bond, der hjælper en smuk sovjetisk afhopper (Daniela Bianchi) med at slippe ud af SPECTRE’s kløer. Med MI6’s største spion nedsænket i den kolde krigs spændinger holder From Russia With Love sig i den sjældne luft som en af de fineste Bond-efterfølgere, der nogensinde er lavet, og er en grum, sexet og spændende blockbuster på én gang. Det hjælper også, at filmen understreges af en af alle tiders bedste Bond-sange, sunget af crooneren Matt Monro.

9. Pierrot le Fou (1965) #

(Billedkredit: SociÉtÉ Nouvelle de CinÉmatographie (SNC))

Jean-Luc Godard brugte 1960’erne på at hævde sin plads i den franske nybølge gennem film som Breathless (1960), Vivre sa vie (1962) og Band of Outsiders (1964). Men Godards maksimale form kom i 1965 med Pierrot le Fou, en levende og farverig eksperimentel roadmovie om en mand (Jean-Paul Belmondo), der stikker af med sit barns babysitter og ekskæreste (Anna Karina) for at lægge deres mondæne verden bag sig. Pierrot le Fou er et popkunstmonument fyldt med sensualitet, dødsdømt romantik og vragdele fra en nedbrudt fjerde væg, og den bekræftede ikke bare Godards auteurstatus, men forgyldte den.

8. Morgenmad på Tiffany’s (1961) #

(Billedkredit: Paramount Pictures)

Audrey Hepburn cementerede ikke bare sin stjernestatus med instruktøren Blake Edwards’ Breakfast at Tiffany’s, hun garanterede sin udødelighed. I denne gigantiske romantiske komedie spiller Hepburn Holly Golightly, en excentrisk socialite, som forelsker sig i en forfatter (George Peppard). Bortset fra Mickey Rooneys racistiske portrættering af en japansk nabo er Breakfast at Tiffany’s sprudlende og elegant, en film, der tager kærligheden i dit hjerte og klæder den i modetøj. Hepburns look som Holly er stadig allestedsnærværende som et symbol på tidløs skønhed, og det er svært at argumentere for hvorfor. Et enkelt blik fra hende ind i Edwards’ kameralinse, og vi er alle sammen helt oppe at køre over de dyre hæle.

7. La Dolce Vita (1960) #

(Billedkredit: Columbia Pictures)

Frederico Fellinis navn er synonymt med fin italiensk film, og La Dolce Vita står som et af hans mest varige hits. Filmen følger en kendisjournalist (spillet af en ultracool Marcello Mastroianni, der oser af svulstighed i hvert eneste billede), som tilbringer en febrilsk uge med at tumle rundt i Rom – en gammel by, der er oversvømmet af glitter og glamour – på jagt efter noget rent. Med en unik plotstruktur og bidende humor nyder La Dolce Vita dekadencen i en velstående efterkrigscivilisation, samtidig med at den forudsiger samfundets forgiftning af berømmelsens giftstoffer.

6. Den vilde flok (1969) #

(Billedkredit: Warner Bros.)

Sam Peckinpah gav westerns deres sidste hurra med The Wild Bunch, en film om aldrende lovløse, der kæmper for at tilpasse sig det moderniserende 20. århundrede og går ud i et flammehav af ære. Selvom westerns ikke er helt uddøde, var genren i 1960’erne faldet meget i unåde, og den har aldrig siden genvundet sin popularitet. Det får bombardementet af krudtslam og kuglerekkoer, der understreger Peckinpahs eksplosive finale i Agua Verde, til at føles som et fyrværkeri til minde om de utallige helte med hvide hatte og skurke med sorte hatte, der har prydet det store lærred siden Hollywoods begyndelse. Efter The Wild Bunch red westernfilmene ind i solnedgangen, og de har aldrig set sig tilbage.

5. 8 ½ (1963) #

(Billedkredit: Columbia Pictures)

Den italienske filmskaber Frederico Fellini vendte som bekendt kameraet lidt mod sig selv i sin film om kampen for at bevare forfatterskab og individualitet i et felt, der er genstand for offentlig granskning. I Fellinis ottende film (deraf titlen) spiller skuespilleren Marcello Mastroianni hovedrollen som Guido Anselmi, en instruktør, der desperat forsøger at bevare sin identitet gennem den strenge, selvudslettende proces, det er at stå i spidsen for en science fiction-film med stort budget. Alt imens tænker Guido på de forskellige kvinder i sit liv. 8 ½ er en surrealistisk meta-sort komedie, der udvisker grænserne for kayfabe og med rette betragtes som en af de bedste film om at lave film, der nogensinde er lavet.

4. West Side Story (1961) #

(Billedkredit: United Artists)

Hvordan løser man et problem som Maria? I denne moderniserede Romeo og Julie, der udspiller sig i New Yorks racialiserede gadebander, spiller Natalie Wood og Richard Beymer elskende, der forelsker sig, mens de står på hver sin side af en territoriekrig. Den originale version fra 1961 – instrueret af Robert Wise og Jerome Robbins – er et brag af en musikalsk romance, der dristigt behandler lærredet som en scene med kompleks koreografi, levende farvepaletter og dynamiske kamerabevægelser, der påvirkede folk som Michael Bay (der roste filmen i et interview med New York Times i 2001) og Steven Spielberg, som stod i spidsen for sin egen genindspilning i 2021. Når du ser West Side Story, er du fan for livet, hele vejen fra din første cigaret til din sidste døende dag.

3. Øjne uden ansigt (1960) #

(Billedkredit: Lux Compagnie CinÉmatographique de France)

Georges Franjus skelsættende gyserfilm Eyes Without a Face fra 1960 er ældre end de fleste slasherfilm, men dens rystende historie og ondskabsfulde vold satte standarden, som senere blev opretholdt af genremestre som John Carpenter og Wes Craven. Alligevel er Eyes Without a Face ulig nogen anden gyserfilm, du har set, idet den er lige så poetisk, som den er grusom. Filmen følger en berømt plastikkirurg (spillet af Pierre Brasseur), der snører smukke unge kvinder for at skære i deres kød og reparere sin datters tragiske vansiring. Édith Scob har også hovedrollen som lægens datter, der bærer en spøgelsesagtig hvid maske, der føles som et varsel om fremtidige ikoner som Michael Myers og Jason Voorhees. Her er det smukke og det grusomme usandsynlige cellekammerater.

2. 2001: En odyssé i rummet (1968) #

(Billedkredit: MGM)

Ingen film definerer 1960’erne og føles alligevel ude af tiden som Stanley Kubricks 2001: A Space Odyssey. Efter to megaklassikere, Lolita (1962) og Dr. Strangelove (1964), kiggede Kubrick op i stjernerne med et majestætisk science fiction-epos, der adapterer Arthur C. Clarkes novelle “The Sentinel”. Omfanget af 2001 er enormt, da det er en film, der spænder over bogstavelige æoner fra menneskehedens primatoprindelse til, hvad Kubrick forudsiger, vores sofistikering som en rumfarende art. Men uanset hvor langt fremskridtet bringer os, er mennesket stadig udsat for uforklarlig vold. Så på Discovery Ones rejse til Jupiter har den kunstige intelligens HAL 9000 nogle af sine egne ideer om overlevelse, som dens kødsæk-herrer måske ikke bryder sig om. 2001: A Space Odyssey var smukt komponeret og ildevarslende på en overjordisk måde, og den bragte filmkunsten fremad med et strejf af sort monolit.

2001: A Space Odyssey£7.99på Amazon£8.19på Hit£9.69på Hive Books

1. Psycho (1960) #

(Billedkredit: Paramount Pictures)

Med den smukke Janet Leigh, en flaske Hershey’s chokoladesirup og et pulserende strygerstykke af Bernard Herrmann skabte Alfred Hitchcock et filmisk mesterværk, der kiggede dybt ind i vores psyke og afdækkede, hvad der skræmte os alle. Hitchcocks mest genkendelige film er overfyldt med røde sild, sort komisk ironi og tæt symbolik, der kunne fylde en forelæsning om freudiansk psykoanalyse, og den består som en imponerende kæmpe, der omdefinerede den kommercielle films acceptabilitet for smag og fornyede konventionerne for den moderne gyserfilm. Baseret på Robert Blochs bog af samme navn udspiller historien sig primært på det uhyggelige Bates Motel, som ledes af den excentriske ejer Norman Bates (Anthony Perkins), der skjuler en mørk hemmelighed. Selvom Psycho forståeligt nok har affødt en franchise, der omfatter den populære tv-serie Bates Motel, står Psycho stærkt alene som en film, der ændrede alt.